„Interior Live Oak“ schöpft aus Cass‘ Schaffen aus zwei Jahrzehnten Experimentierfreude und setzt einen klaren und klaren Akzent. Seine Haltung ist durchweg hoffnungsvoll, was für jemanden, der oft über die extremeren Aspekte des modernen Lebens singt, seltsam klingen mag. „Interior Live Oak“ hingegen spiegelt die Entschlossenheit eines Menschen wider, der diese Extreme selbst erlebt hat.

Benannt nach einer in Nordkalifornien heimischen Baumart, integriert McCombs auf dem Album die sparsameren Songstrukturen seines ursprünglichen Materials mit Hilfe einiger seiner frühesten musikalischen Weggefährten, darunter Jason Quever (Papercuts) und Chris Cohen. McCombs nahm einen Großteil des neuen Materials in der Bay Area auf, unweit der Orte, an denen sie ihre musikalischen Wurzeln geschlagen hatten (wie auf der letztjährigen Archivveröffentlichung „Seed Cake On Leap Year“ dokumentiert). Weitere Aufnahmen in New York City brachten Beiträge von anderen langjährigen Kollaborateuren wie Matt Sweeney und Mike Bones mit sich.

Denison Witmer kehrt mit einer neuen Sammlung von zehn lebhaften und nachdenklichen Folk-Pop-Songs zurück, die von Sufjan Stevens, seinem langjährigen Freund und Kollaborateur, aufgenommen und produziert wurden.

»In Anything At All« befindet sich Denison in einer angemessen nachdenklichen Stimmung, in der er einem gewöhnlichen, häuslichen Leben eine erhabene Offenbarung abgewinnt. Themen wie Vogelbeobachtung, Schreinerei, Zimmerpflanzen und Wandern bieten Einblicke in größere, existenzielle Fragen über Leben, Tod, Sinn und Zweck. Was machen wir mit der kostbaren Zeit, die uns auf dieser Erde bleibt? Ob wir sie damit verbringen, Uhren zu bauen, Beeren zu sammeln, Bäume zu pflanzen oder die Kinder abends ins Bett zu bringen - diese Lieder zeigen, dass ein Leben, das mit Bedacht und Sorgfalt gelebt wird, zu tiefer Freude und Erfüllung führen kann.

»Anything At All« wurde sporadisch über einen Zeitraum von zwei Jahren aufgenommen und entstand hauptsächlich in Sufjans Catskills-Studio während der Pandemie, wobei zusätzliche Sessions von Andy Park in Seattle, WA, aufgenommen wurden. Zu den Mitwirkenden gehören neben Stevens und Park unter anderem auch Sam Evian, Hannah Cohen, Sean Lane und Keenan O'Meara. Die musikalische Ästhetik des Albums verbindet Denisons volkstümlichen, mennonitischen Vibe mit Sufjans charakteristischem Schnickschnack: üppige Streicher und Holzbläser, ein Frauenchor und ein gelegentliches jazziges Saxophon umspielen Denisons sachlichen Gesang und akustische Gitarre. Es sind einfache Folksongs mit Ausbrüchen von Ehrfurcht und Staunen.

There is just one name on the cover of Denison Witmer’s new full-length Anything At All: Denison Witmer. But that undersells the involvement of the Pennsylvania singer-songwriter’s longtime friend Sufjan Stevens in helping bring the album to life. “I misunderstood his generous offer of helping me ‘get started’ when what he actually meant was: ‘Let’s make a record together,’” Witmer has said. “So I had to reorganize my brain regarding what the record was going to be and how it was going to sound.”

Spoiler alert: It sounds like Denison Witmer and Sufjan Stevens made a record together. Since the late ‘90s, the former has been building an impressive catalog of indie folk tunes by pairing his plainspoken musings on modern life with memorable melodies and understated arrangements. His last album, 2020’s American Foursquare, came after an accidental seven-year break from music to raise his kids and start a carpentry business.

Back in the creative groove, Witmer quickly started working on a follow-up with Stevens in the producer’s seat and fully engaged throughout the process. (Witmer even shelved the project while Stevens dealt with a health issue.) Across the album’s 10 tracks, Witmer’s pretty songs and Stevens’s distinctive production sound like equal partners—two elements unmistakably intertwined, but never so tight that one constricts the other. Exemplifying this relationship is “A House With,” a track split into two halves: The first focuses on Witmer’s tender tune about plants and birds and domesticity, then the second blossoms into a dancing fountain of background vocals, with a lush crescendo that could live comfortably on Stevens’s classic 2005 album Illinois.

Stevens is generous with the choral swells and string sections throughout Anything At All, using them to lend a sense of awe to the outdoorsy “Older and Free,” to uplift the otherwise restrained “Focus Ring,” and to expand “Slow Motion Snow” from a pretty tune buried near the album’s end into an eight-minute baroque-pop epic cocooned inside its own enchanting universe. Elsewhere, “Clockmaker” runs on a skittering synth rhythm befitting its main subject, while “Shade I’ll Never See” is as effervescent as anything on Stevens’s own records. And the album’s closer, “Brother’s Keeper,” strips away most—not all, but most—of the sonic accoutrements, laying bare a brief, beautiful reminder of the songwriting prowess Witmer has demonstrated for more than two decades. Anything At All may only have his name on the cover, but it’s an exquisite document of what’s possible when two complementary collaborators fit together perfectly.

(By Ben Salmon · www.bandcamp.com)

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Sessas drittes Album ist eine rhythmisch-reiche, gefühlvolle Meditation über Liebe, Veränderung und das Vatersein – zwischen brasilianischer Sinnlichkeit, Soul-Vibes und introspektiver Poesie.

Sessa (aka Sérgio Sayeg) has done his homework, the result being a first-class album of Brazilian pop that's laid-back and relaxed but never boring. Throughout Pequena Vertigem de Amor, Sayeg follows the same playbook that many Tropicalia artists did by mutating bossa nova and MPB sounds and conventions into something a little more left-field and expansive. String sections cruise through many of the songs to sweep the melodies along, saxes hum peacefully in the mid-range, backing vocalists provide fluffy harmonies, and in the center Sayeg's vocals croon delightfully. Occasionally a song will peek through the chill vibes to provide a little jolt of drama; the rollicking "Planta Santa" has nice percolating grooves and a Baroque lilt, "Nome de Deus" has some insistent piano chords and driving percussion. On the flipside, a few songs dial the temperature down below chill to a little closer to chilly. "Gestos Naturais" is slow and dreamy with plinking drum machines, great clouds of echo, wah-wah guitar, and Sayeg's barely there vocals all combining to create some imaginative and psychedelic easy listening music. The gentle push and pull between soft sounds and rich arrangements give the record just enough tension to keep it from drifting off into the clouds, and Sayeg knows just when to inject something interesting when eyelids begin to droop a bit, and at the album's best, like on the beautiful and very well-arranged "Dodói," crafts music that sounds on par with the best music to come out of Brazil in the late '60s and early '70s.

(by Tim Sendra, All Music Guide)

Das Trio Mary Chapin Carpenter, Julie Fowlis und Karine Polwart fand sich zunächst zu einem Schreibexperiment nach dem Lockdown während der Pandemie zusammen. Die mehrfach preisgekrönte US-amerikanische Singer-Songwriterin Carpenter war auf der Suche nach etwas Neuem und wandte sich an Fowlis und Polwart, zwei renommierte schottische Singer-Songwriterinnen, deren Arbeit sie schon lange bewunderte. Das Trio entwickelte schnell einen Plan und traf sich, sobald es möglich war, in Nordschottland zu einer ausgedehnten Schreibklausur.

Anfang 2024 wurde das 10-Song-Album »Looking For The Thread« in den Real World Studios in Box, England, mit Josh Kaufman (Bob Weir, The National, The Hold Steady) als Produzent und einer Weltklasse-Band von Musikern aufgenommen: Rob Burger (Klavier, Orgel, Akkordeon, Tasten), Chris Vatalaro (Schlagzeug, Percussion), Cameron Ralston (Bass), Caoimhin O'Raghallaigh (Hardanger d'Amore) und Josh Kaufman selbst (Gitarre, Tasten).

Das Album enthält Stücke, die von allen drei Künstlern geschrieben wurden, die abwechselnd auftreten und an jedem Song mitarbeiten.

Es klingt frisch emotional, egal ob das Paar einzeln oder getrennt singt.​ [.​.​.​] Bei Peterson & Cowsill ist das Feuer längst nicht erloschen!

(GoodTimes, August/September 2025)

“Long After the Fire,” released April 18, 2025, marked the long-anticipated debut from Vicki Peterson and John Cowsill. Known respectively for their roles in the Bangles and the Cowsills, the duo pulls from deep familial and creative wells to resurrect a cache of songs written by John’s late brothers, Barry and Bill Cowsill. It is an album steeped in personal history, musical reverence and the warmth of lived-in artistry. What emerges is not what one would consider a traditional ‘tribute album,’ but rather a richly interpreted work of preservation and renewal, which was done with a clear attention to detail and care for the songs.

Produced by Paul Allen, who is known for his Americana sensibilities, the album is grounded in naturalistic textures. Pedal steel, warm electric guitars, brushed drums and minimal keyboard fills give the songs space to breathe. The arrangements on the album are incredibly clean and polished, built to elevate the vocals and serve the storytelling within the lyrics. “Long After the Fire” thrives on its restraint; it doesn’t chase sonic bombast or novelty. Instead, it leans into atmosphere, memory and an almost familial musical shorthand between its performers.

Opening track “Fool Is the Last One to Know” wastes no time in establishing tone. A shuffle-beat rocker driven by twangy guitars and confident vocals from John, the track lands somewhere between Buck Owens and early Dwight Yoakam. It’s a bright, confident entry point. Every aspect, from the instrumental to the backing vocals, has an amazing country energy to it. Being a country music fan, I really appreciate hearing this style in 2025. Plus, the song has a great guitar solo about halfway through that was a real treat to hear upon first listen.

“Vagabond” follows with a shift in tempo and tone. A pedal steel-soaked meditation, the arrangement is subtle, letting the story unfold in well-timed phrases and instrumental restraint. Continuing the allusion to country classics, the song reminds me of “Troubadour” by George Strait. The storytelling in this song is phenomenal, and I feel that, out of any other song on the album, this is one that fits John’s vocals perfectly. There is something about the texture of his voice specifically that makes the vibe of this song work so well.

Up to this point, John’s vocals have been the focus of the album. But Vicki takes the lead on “Come to Me,” a song that feels very intimate to me. The instrumentation for this track is more spread out, leaving plenty of space for her yearning vocals. A mid-song key change swells into a short, emotionally charged electric guitar that is a perfect crescendo for the song.

That balance of emotional nuance and musical tradition continues with “Is Anybody Here,” a plaintive track that strips away ornamentation entirely. John’s vocal is near-breaking at points, especially as he leans into the central question: “Is anybody here to hear this song?” It’s a powerful moment of vulnerability. The minimalist accompaniment lets that emotion come to the forefront, offering one of the record’s most resonant moments. Even though the instrumentation is upbeat, it is deceptive. The song could have easily also had a stripped, acoustic-led instrumental and been just as good.

While most of the album stays within a warm Americana and roots-pop register, “Sound on Sound” offers a sharp contrast. With distortion-laced guitars, shouted backing vocals and a quick tempo, the track swerves into a new direction. On my first listen, this song caught me off guard. But, on subsequent listens, I love the placement of this track. It helps keep the energy up, something that is very important in terms of album pacing. It tells me that the duo is unafraid to expand their sound when the material calls for it, and that is something I can appreciate from any artist.

The album doesn’t overstay its welcome. Tracks like “Don’t Look Back” and “A Thousand Times” further develop the duo’s harmonies and highlight Peterson’s melodic instincts. “You in My Mind” leans closer to her Bangles-era hooks but recontextualized through roots instrumentation. The album closes with the track “Ol’ Timeless,” which winds down the record on a reflective, acoustic note; something that I feel is the perfect conclusion to the album.

“Long After the Fire” does not present itself as a revolutionary work, the duo isn’t trying to re-invent the wheel. Instead, it’s a document of love, memory and trust in the songs themselves. It succeeds in the small moments, whether through the way the harmonies blend or how the instrumentation hits just right. No modern production or instrumental efforts diminish the album’s emotional effectiveness. It’s clear the goal here wasn’t to outdo Barry and Bill’s original visions, but to let them breathe in a new context, and to give them a new life for a new generation of music fans.

What makes the record resonate is the chemistry between Peterson and Cowsill. Their voices fit together with ease. There’s history behind every note they sing. They’ve lived these songs, even if they didn’t write them. That embodiment makes the listening experience feel less like a performance, and more like an intimate moment between a family, sharing their lives over every note.

“Long After the Fire” isn’t necessarily flashy, but it burns with purpose. It invites repeat listens, something it has already gotten from me. For any fans of Peterson and Cowsill, or enjoyers of Americana or country music in general, this album will surely be a treat for your ears and your mind. The album is available now for streaming and for purchase.

(By Lane Lannan, www.esquarterly.com)

Mitte der 80er Jahre konnten The Loft eine beeindruckende Liste von Premieren für Künstler von Creation Records vorweisen. Die erste Creation-Band im Fernsehen, die erste, die die Spitze der Indie-Singles-Charts erreichte, die erste, die zu einer großen UK-Tournee eingeladen wurde und die erste Creation-Band, die eine begehrte BBC-Radiosession aufnahm - für Janice Longs Radio One-Show im Jahr 1984. Dann lösten sie sich auf. Seit dem berüchtigten Bühnendrama, bei der sie sich mitten im Song im Hammersmith Palais vor 3.000 Zuschauern trennten, als sie auf dem Sprung zur Big-Time-Indie-Größe waren, hat sich die Band wieder zusammengefunden.

Während ihr Status als eine der einflussreichsten britischen Gitarrenbands der 80er Jahre weiter wächst und eine Vielzahl jüngerer Künstler und Künstlerinnen beeinflusst, schien es 39 Jahre nach der bitteren Trennung an der Zeit zu sein, ihr Debütalbum aufzunehmen.

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Die Grammy-gekrönten Songwriter The Bros. Landreth kehren 2025 mit ihrem vierten Studioalbum »Dog Ear« zurück.

Die mehrfach mit dem JUNO Award ausgezeichneten liefern ein herzliches und energiegeladenes Album, das die unbestreitbare Energie dieser Band einfängt. Inspiriert von der Freude und Kameradschaft, die sie während zweier lebhafter Jahre auf Tournee nach der Pandemie erlebt haben, begaben sich die Brüder Joey und Dave Landreth zusammen mit ihren engen Mitarbeitern Roman Clarke, Murray Pulver und Ian Phillips ins Studio.

»Dog Ear« wurde in einer inspirierten fünftägigen Session aufgenommen und ist das bisher fröhlichste und hoffnungsvollste Album der Band, das die Melancholie der Vergangenheit hinter sich lässt und Themen wie Familie, Optimismus und emotionale Resilienz erkundet. Das Album enthält elf emotional bewegende Tracks, darunter Beiträge von Bonnie Raitt, die dem fesselnden »Half Moon Eyes« ihre ikonische Stimme leiht und »Knuckles« in ein tiefgründiges Duett verwandelt. Die ebenfalls aus Winnipeg stammende Powerfrau Begonia liefert eine faszinierende Performance zum Albumabschluss »Strange Dear« und verleiht der Erzählung des Albums zusätzliche Tiefe.

Im Kern ist »Dog Ear« eine ehrliche Auseinandersetzung mit der Frage, was es bedeutet, für die Menschen, die man liebt, immer da zu sein - insbesondere aus der Perspektive der Elternschaft. Songs wie das beschwingte »I'll Drive«, geschrieben zusammen mit Jonathan Singleton aus Nashville, verkörpern unbeschwerte Flucht aus dem Alltag, während das zarte »Half of Me« die tiefen Verbindungen unterstreicht, die Beziehungen ausmachen. Die herausragenden Songs »Dog Ear« und »Vincent« bieten fesselnde Betrachtungen über Stabilität, Freundschaft und persönliches Wachstum, präsentiert mit der für die Bros. typischen geschickten Gitarrenarbeit, melodischen Wärme und lyrischen Aufrichtigkeit.

Mit internationaler Anerkennung, JUNO Awards, einem Grammy Award (als Songwriter für Bonnie Raitts Grammy-prämierte Americana-Performance von »Made Up Mind« aus dem Jahr 2023) und Lob von Kritikern wie Rolling Stone, NPR, American Songwriter und vielen anderen festigen The Bros. Landreth ihren Ruf als Meister ihres Fachs. Ihre energiegeladenen Live-Auftritte begeistern das Publikum weltweit, und mit »Dog Ear« liefern sie ihr bisher stimmigstes und mitreißendstes Statement.

Eindringlich, roh, lebendig und konzentriert zugleich, dabei wirkt alles (scheinbar) mühelos.​ Und die inhaltsschwangeren, sehr persönlichen Lyrics erhöhen die Wertigkeit dieses herausragenden Werkes.​ Erstklassiges Storytelling auf Roots-Music-Weise.​

(GoodTimes, Dezember 2025/Januar 2026)

Mit einer zutiefst persönlichen Songsammlung, ihrem dritten Album, meldet sich Stella Donnelly zurück. »Love And Fortune« zeichnet ihre Reise zurück zu sich selbst nach einer Zeit tiefgreifender Veränderungen nach.

Aufgenommen in Naarm/Melbourne, trägt das Album die erdende Energie des Ortes in sich und bietet eine zugleich intime und weitläufig anmutende Soundlandschaft. Doch sind die Arrangements diesmal offener und bewusster, der Sound kraftvoller.

Es ist Donnellys bisher offenherzigstes und selbstbewusstestes Werk, das auf »Beware Of The Dogs« (2019) und »Flood« (2022) folgt, zwei Alben, die Donnelly als eine der besten zeitgenössischen Songwriterinnen Australiens auszeichneten und flächendeckendes Lob in den Musikmedien erhielten. Die LP erscheint als farbige Eco-Recycled-Auflage, bei der jedes Vinyl ein Unikat ist.

Seit über zwei Jahrzehnten hat Midlake in aller Stille eine eigene Welt aufgebaut – verwurzelt im Charme der Universitätsstadt Denton, Texas, aber expansiv in Klang und Geist. Mit ihrem sechsten Studioalbum »A Bridge To Far« kehrt die Band mit einer Platte zurück, die sowohl zutiefst persönlich als auch universell nachvollziehbar ist. Es ist ein Album über Hoffnung – nicht im abstrakten Sinne, sondern als menschliche Notwendigkeit. »Hoffnung ist ein Bedürfnis«, sagt Frontmann Eric Pulido. »Über das hinauszublicken, über das, was ist. Wir alle können uns auf vielen verschiedenen Ebenen damit identifizieren.«

Aufgenommen im Echo Lab in Denton und produziert von Sam Evian, waren die Sessions für »A Bridge To Far« instinktiv und ungezwungen. »Alles fühlte sich mühelos und authentisch an«, sagt Pulido. »Wir haben nicht zu viel nachgedacht.« Diese Leichtigkeit spiegelte sich in einem Sound wider, der sowohl atmosphärisch als auch geerdet ist – filmisch ohne Exzess, tief empfunden ohne Sentimentalität.

Mit dem neuen Sänger und Songschreiber Eric Pulido ist ihre Musik zugänglicher geworden, doch experimentell genug ist sie noch.​ [.​.​.​] kompositorisch immer noch mit genügend Niveau.​«

(GoodTimes, Dezember 2025/Januar 2026)

Folk Bitch Trio - die in Melbourne/Naarm ansässige Band - kündigen ihr Debütalbum »Now Would Be A Good Time« an, das über Jagjaguwar erscheint, und veröffentlichen die Single/Video »Cathode Ray«.

Folk-Musik hat die schlechte Angewohnheit, als eine todernste Angelegenheit dargestellt zu werden. Sie ist etwas, zu dem man weint, sie ist übermäßig heilig, sie ist feierlich von Kritikern und Historikern betrachtet. Aber das Folk Bitch Trio, die ehemaligen Highschool-Freundinnen Heide Peverelle (»they/them»), Jeanie Pilkington (›she/her«) und Gracie Sinclair (›she/her»), haben einen gemeinsamen Sinn für Humor , der tief in ihre Musik eingebettet ist und sie zum Leuchten bringt, sicher vor den selbsternsten Fallen des Genres.

»Now Would Be A Good Time«, ihr Debütalbum, erzählt lebendige, viszerale Geschichten und ist witzig und dunkel-ironisch in der Art von Schriftstellerinnen wie Mary Gaitskill oder Otessa Moshfegh. Ihre Musik klingt vertraut, aber die Songs sind modern, jugendlich, singen akut durch dissoziative Tagträume und ärgerliche Trennungen, sexuelle Fantasien und Medienüberflutung, über all die belanglosen Ressentiments und kleinen Demütigungen, die man als Anfang Zwanzigjährige in den 2020er Jahren erlebt.

»Cathode Ray« beginnt mit Vorsicht, seine ersten Harmonien kommen in großen, schleifenden Seufzern an. Es ist verletzlich, aber auch ein wenig bedrohlich, mit , einem weit offenen Refrain und einem geräumigen, luftigen Beat, der alles verankert. »Moth Song«, ein Song über unerwiderte Liebe und, von so durchgedreht zu sein, dass man sich wie im Wahn fühlt und verrückte Dinge halluziniert, bildet das sparsame Herzstück des Albums, wobei Anita Clarks wogende Geigenstimme wie in einem Traum in den Fokus hinein - und wieder herausdriftet.

Andere Songs sind nicht so schräg, sondern schildern brutal vertraute Momente am Ende von Beziehungen: Der spannungsgeladene, emotional flüchtige Torch-Song »The Actor« handelt laut Peverelle davon, »zur One-Woman-Show deines Partners zu gehen und dann Schluss zu machen«. In »Hotel TV«, einer hypnotischen, nächtlichen Träumerei, geht es darum, »einen Sextraum über zu haben, während man neben seinem Partner sitzt, und der Partner ist ein Lügner«, erklärt Pilkington. Die stärkste Verbindung zwischen dem Trio, abgesehen von der Freundschaft, ist Musik.

»Wir haben alle darüber gesprochen, dass wir Musik liebten, als wir aufwuchsen, und dass wir wussten, dass Musik ein großer Teil unseres Lebens sein sollte«, sagt Pilkington. Dieses Gefühl, dass Musik eine angeborene Berufung ist, im Gegensatz zu Hobby oder Torheit, war berechtigt: Das Folk Bitch Trio tourte bereits durch Australien, Europa und die USA und unterstützte dabei so unterschiedliche Bands wie King Gizzard, Alex G und Julia Jacklin.

Sie sind bei Jagjaguwar unter Vertrag, einer Heimat für einzigartige Ikonen und Ikonoklasten (Bon Iver, Angel Olsen, Sharon Van Etten, Unknown Mortal Orchestra und andere), und sie haben ihre ersten eingefleischten Fans mit schillernden Harmonien und bissiger Lyrik gefunden, die über Genreerwartungen und Publikumsgrenzen hinausgehen. Das sind die Herausforderungen: Es geht darum zu lernen, wie man ein Leben ohne Liebeskummer und Verlierer-Ex lebt, wann man im zeitgenössischen Nihilismus versinkt und wann man mit seinen Freunden lacht, und warum sich das Leben so flüchtig und unwirklich anfühlen kann.

In diesem Sinne fühlt sich »Now Would Be A Good Time« wie ein Handbuch für das moderne Leben an: eine Botschaft dreier stolzer Folk Bitches, die gemeinsam Schönheit und Weisheit finden, wo sie können.

Van Morrison worried many fans with 2022's What's It Gonna Take?, a COVID-era paranoid political rant. Fears eased somewhat with the two solid musically linked albums Moving On Skiffle and Accentuate the Positive in 2023, offered in the roots style so influential during his pre-Them career. Remembering Now also embraces the musical rearview, but refracted through the lens of the present. He revels in the brands of Irish R&B, Celtic blues, country, soul, and balladry that made him, but was pursued so intimately on questing albums from 1979's Into the Music and 1991's Hymns to the Silence. Morrison's lyrics here reveal what he's learned in 80 years. Over 14 songs, he plays guitar, saxophone, and piano; he's backed by his quintet, horns, a backing chorus, Seth Lakeman's Celtic fiddle, and strings by the Fews Ensemble, conducted by Joanne Quigley.

Opener "Down to Joy" was featured in director Kenneth Branagh's 2021 film Belfast. A swinging Celtic soul jam, it offers punchy, elegant horns, chunky Stax-esque guitars, and a whining pedal steel above a shuffling beat, as Morrison testifies to gratitude and amorous devotion: "She was standing there before me (There before me) When I was coming down/I said I do adore thee (I adore thee) When I was coming down to joy…. "If It Wasn't for Ray" is a skiffle-drenched, countrified R&B tune offered in tribute to Ray Charles, giving the icon much credit for his own career. "Haven't Lost My Sense of Wonder" is a poignant, tender manifesto. Above a whispering B-3, he sings, "I haven't lost my sense of wonder/even though things aren't working out… Though I've had my fill, I've been through the mill/I'm still signing "peace, be still." "Lover, Lover and Beloved" is a country-soul tune that recalls Charles' great country ballads with its orchestration, and it's sung with raw, simmering passion. Second single "Cutting Corners," is a rock-kissed Celtic soul tune drenched in loneliness and regret despite its hook. Morrison takes a gratifying saxophone solo. The next three selections – "Back To Writing Love Songs," "The Only Love I Ever Need Is Yours," and "Once In A Lifetime Feelings" – are excellent, tender expressions of love in different musical vernaculars. The next three – "Stomping Grounds," "Memories and Visions" and the revelatory "When The Rains Came" (the latter could have been on Common One) – look to the past to find equilibrium in the here and now. "Remembering Now" is a resonant, autobiographical, jazz-blues ballad with killer B-3 from Richard Dunn. Nine-minute closer "Stretchin' Out" is a vamp driven textural gospel-blues driven by sweeping strings, piano and bass that is simply one of his most transcendent songs. Summarily, Remembering Now is aptly titled in its manner of observing personal history through the lens of life in the process of being lived in the moment. Morrison's been rambling in strange territory for the last five years, but this is proof that the restless wandering spirit didn't forget his Muse, or who he is.

(by Thom Jurek, All Music Guide)

The Glass Hours sind die amerikanischen Songwriter Brad Armstrong und Megan Barbera. Ihre Musik bewegt sich zwischen Sonntagnachmittags-Country-Folk und dem Goldenen Zeitalter der 1970er Jahre.

The Glass Hours, die Einflüsse von Megans Bergwurzeln und Brads Südstaatenwurzeln vereinen, sind derzeit im New Yorker Hudson Valley ansässig. Bevor sie The Glass Hours gründeten, haben Megan und Brad für verschiedene unabhängige Projekte geschrieben, gespielt und aufgenommen. Megans Songs wurden weltweit für Marken wie Naturalizer Shoes und San Miguel Beverage Co. lizenziert. Brad war Mitglied von Alabamas Dexateens, 13ghosts und Maria Taylors Tourband und hat Künstler wie Jason Isbell, Alabama Shakes, Drive-By Truckers, John Moreland, Meat Puppets, Azure Ray und Magnolia Electric Company unterstützt, um nur einige zu nennen.

Ambitioniert und erfolgreich

The Waterboys vertonen auf ihrem neuen Album »Life, Death And Dennis Hopper« nicht mehr und nicht weniger als die letzten 75 Jahre westlicher Popkultur.

In 25 Songs erzählen die Folk-Rock-Ikonen um Mike Scott aus dem Leben des großen Schauspielers und von den Zeiten und Szenen, die ihn prägten. Ein ambitioniertes Vorhaben, das auch dank illustrer Gäste wie Bruce Springsteen, Fiona Apple und Steve Earle gelingt.

Die Waterboys freuen sich, ihr neues Album Life, Death And Dennis Hopper anzukündigen. Zu den Künstlern, die neben den Waterboys auf dem Album zu hören sind, gehören Bruce Springsteen, Steve Earle, Fiona Apple und Taylor Goldsmith von Dawes. Mike sagt: »Es ist die Geschichte des Lebens von Dennis Hopper in Songs - und die Geschichte seiner und unserer Zeit.«

The Third Mind mag zwar eine Supergroup sein - die Band besteht aus dem mit einem Grammy® ausgezeichneten Singer/Songwriter/Gitarristen Dave Alvin (The Blasters), dem Bassisten Victor Krummenacher (Camper Van Beethoven, Cracker), dem Schlagzeuger Michael Jerome (Richard Thompson, John Cale), dem Gitarristen David Immergluck (Counting Crows, John Hiatt) und dem Singer/Songwriter Jesse Sykes -, doch das faszinierende Album »Right Now!« aus dem Jahr 2025 ist ein Album, das so wenig Egoismus zeigt wie kein anderes.

Das Album wurde in vier Tagen in L.A. aufgenommen und ist eine Meisterklasse darin, präsent zu sein, die Kontrolle loszulassen und den Nervenkitzel der Zusammenarbeit zu genießen. Die Aufnahmen stellen einen einzigartigen Moment dar - völlig ungeschrieben, völlig ungeprobt - und die Auftritte sind ebenso unvorhersehbar wie fesselnd. Sie verwischen die Grenzen zwischen Psychedelic Rock, Folk, Blues und Soul bei Stücken von so unterschiedlichen Künstlern wie Elizabeth Cotton und Pharoah Sanders.

Jesse Sykes ist für den Großteil des Gesangs auf diesem Album verantwortlich. Dave Alvin singt zusammen mit Jesse bei »Reno, Nevada«, der Single, die im Radio gespielt wird. In der Tradition der Band enthält das Album auch Coversongs, darunter: »Shake Sugaree« (geschrieben von Elizabeth Cotten), »Reap What You Sow« (ursprünglich aufgenommen von Otis Rush), »Darkness, Darkness« (ursprünglich aufgenommen von The Youngbloods), »The Creator Has a Master Plan« von Leon Thomas. »Before We Said Goodbye« ist ein Original, das von Dave Alvin und Jesse Sykes geschrieben wurde. Das Albumcover stammt von Lou Beach (der auch das Cover von Dave Alvins erstem Soloalbum und den letzten beiden Third Mind-Alben gestaltet hat).

Inspiriert von den Improvisationsalben von Miles Davis gründeten Alvin und Krummenacher die Band als Experiment und luden einige ihrer talentiertesten Freunde zu einer Freiform-Session ein, aus der 2020 das selbstbetitelte Debüt von The Third Mind hervorging. American Songwriter lobte das Ergebnis als »eine fesselnde, oft mitreißende Reise«, während die New York Times den Sound zwischen »Appalachia, den Byrds und John Coltranes ›A Love Supreme‹« ansiedelte Die Band kehrte 2023 mit »The Third Mind 2« zurück und nahm auf ihrer anschließenden US-Tournee 2025 Daten für das ausufernde »Third Mind Live« auf, bei dem der Gitarrist Mark Karan (Ratdog, Phil Lesh) mitwirkte.

In 2020, Emma Swift released her album. She had released her self-titled debut mini album in her native Australia in 2014 (she has since relocated to Nashville), but Blonde On The Tracks was her first full-length album. And it was a daring album. She did her own versions of new and old Bob Dylan songs. This was a bold statement from a young artist. It was a nervy idea that paid off. Not only was the album well received but it firmly established her as a solid performer. Now, she is back with The Resurrection Game (a great title), which features ten original songs. This is a genius move because her sophomore album topped her first album and it firmly establishes her as a writer as well as a brilliant performer.

Although Swift employed some of the top session players in Nashville, the album was actually recorded on The Isle of Wight, at Chale Abbey, a studio located in a stone barn dating back to the 16th century. Jordan Lehning (Kacey Musgraves, Rodney Crowell, Caitlin Rose) produced the album and plays keyboards and other instruments. He does a fine job of arranging the music to suit Swift’s vocals, style and songs. Joining Swift are pedal steel master Spencer Cullum (Steelism, Miranda Lambert, Angel Olsen), guitarist Juan Solrzano (Devon Gilfillian, Sheryl Crow), bassist Eli Beaird (Merle Haggard & Willie Nelson, James Bay, Luke Bryan), and drummer Dom Billett (Yola, Phosphorescent). But this is not a country album.

Musically, this is actually a difficult album to characterize. It is not even Americana, but rather a solid alternative pop album, not unlike Julee Cruise at her best. It also resembles Daniel Lanois’s production style when he produced Emmylou Harris. It is not as spacious and otherworldly, and yet, at times it certainly comes close. “Signing Off With Love” has that sparse, bare sound with the piano and layered sounds. Swift’s restrained vocals are perfect and everything together produces a very emotional listening experience. The same as “Impossible Air”, in which Swift sounds like she is running out of breath and every word is almost an effort to get out. In this sense, it packs a real punch.

Lyrically, it is an album about changes, death of dreams, life, disappointments and grappling with severe issues. “No Happy Endings”, for example, has the brilliant chorus:
“The world’s a spinning time bomb
That, there’s no denying.
There are no happy endings
But baby I’m trying.”

The album is not depressing, but it is not uplifting either. It is obviously personal and in that sense empowering. But at times, it is tough to listen to some of the pain on the record.

The Resurrection Game is an extremely impressive debut. Swift is an amazing writer, and the album is never overproduced and yet it has a very dreamy and, in some songs, a very lush sound. Swift is a talented singer and writer. Some artists wait until they are well established before laying their soul on the line, but here she leads off with it, a very brave and bold statement. The Resurrection Game is a lovely album.

(spillmagazine.com)

Angenehm und kunstvoll

Robert Forster gehört zweifelsfrei zu den Grandseigneurs des Songwriter-Pop, wie sein neues Album »Strawberries« einmal mehr beweist.

Die Songs des früheren The-Go-Betweens-Musikers klingen auf angenehme Art unaufdringlich, aber immer kunstvoll. Egal, ob es wie im sommerlichen Titelstück um die guten Seiten des Lebens geht. Oder um meisterhafte Beobachtungen der kleinen und großen Dinge des Alltags.

Stellen Sie sich einen unserer größten lebenden Singer-Songwriter in einer Küche vor. Er ist im Urlaub, er ist gerade schwimmen gegangen. Seine Frau ist am Strand, und er steht vor einer Schüssel mit unwiderstehlichen Erdbeeren. Natürlich sollen sie geteilt werden, aber ihr Geschmack ist »außergewöhnlich«, so dass er einfach nicht anders kann. Minuten später sind alle köstlichen Früchte weg, aber es gibt den Keim eines Liedes, denn der Satz »Jemand hat alle Erdbeeren gegessen« ist Robert Forster gerade in den Sinn gekommen und klingt »so seltsam, aber normal«. Zum Glück hat er seine Gitarre mitgenommen.

Es heißt, seine Frau Karin Bäumler habe ihrem Mann nicht nur verziehen, sondern sogar im Duett mit ihm den Titelsong für sein neuntes Soloalbum eingesungen. »What can ordinary be?« ist die wehmütige Frage, die zum Lebenswerk von Robert Forster passt, der die Kunst, auf möglichst unauffällige Weise ausgefallen zu sein, perfektioniert hat, von seiner Zeit bei den Go-Betweens bis zu seiner Solokarriere, die sich mittlerweile über fast drei Jahrzehnte erstreckt, unterbrochen nur von der Wiedergründung der alten Band im Jahr 2000, die mit dem frühen Tod seines Songwriting-Partners Grant McLennan im Jahr 2006 endete.

Da dieser traumatische Schlag fast zwei Jahrzehnte zurückliegt, wollen wir Sie auf den neuesten Stand bringen: Seitdem hat Robert Forster durch unermüdliches Touren, Schreiben (die Bücher »Grant & I« und »The Ten Rules of Rock'n'Roll«, ein in Kürze erscheinender Roman) und Aufnehmen eine solide Karriere zu seinen eigenen Bedingungen gemacht. »Strawberries« folgt auf eine Reihe von Deluxe-Neuauflagen von vier seiner älteren Soloalben sowie auf den dritten und letzten Band der karriereübergreifenden Serie von »G Stands For Go-Betweens«-Boxsets mit einer lang erwarteten Portion neuen Materials.

Neben zugegebenermaßen größeren Namen wie Bob Dylan oder Nick Cave ist Robert Forster der seltene Fall eines Künstlers mit einer gefeierten Vergangenheit, dessen aktuelles Werk bei einer treuen Fangemeinde echtes Interesse weckt.

Aber zurück zu unserer Szene in der Küche, zu Robert, Karin, einer Gitarre und einer leeren Schüssel: Als rein persönliches Lied ist »Strawberries« ein bisschen ein Ablenkungsmanöver im Kontext dieses neuen Albums, das sich, ungewöhnlich für Forster, fast ausschließlich mit beobachtenden Charakterstudien oder, wie der Autor es ausdrücken würde, »Story Songs« beschäftigt.

Als die überlebende Hälfte des großen Songwriter-Duos hinter den australischen Indie-Legenden The Go-Betweens (neben dem 2006 verstorbenen Grant McLennan), hat Robert Forster eine erfolgreiche Solokarriere zu verbuchen. Das ist das hart erarbeitete Resultat unermüdlicher Konzertreisen, seiner Arbeit als Schriftsteller und Kritiker ("Grant & I", "The Ten Rules of Rock"n"Roll", die anstehende Veröffentlichung seines Debüt-Romans) und im Aufnahmestudio. Auf eine Reihe luxuriöser Neuauflagen seiner ersten vier Soloalben, sowie dem dritten und letzten Teil der karriereumspannenden Boxset-Serie "G Stands For Go-Betweens" folgt nun "Strawberries", Soloalbum Nummer neun, mit einer heiß erwarteten Ladung neuer Songs, liebevoll produziert in einem Stockholmer Studio von Peter Morén (selbst ein Popstar bei Peter, Björn & John). Neben zugegebenermaßen größeren Namen wie Bob Dylan or Nick Cave, bleibt Robert Forster der ganz seltene Fall eines Künstlers mit großer Vergangenheit, dessen aktuelles Werk nicht nur von seiner treuen Fangemeinde mit wirklichem Interesse aufgenommen wird.

(Glitterhouse)

.​.​.​fantastisch gut.​ Forster beweist sich einmal mehr als einer der besten Songwriter, die aus der Post-Punk-Ära hervorgegangen sind.

(GoodTimes, Juni/Juli 2025)

Spiel ohne Grenzen

Über einen Mangel an Schicksalsschlägen in seinem Leben kann sich Robert Forster sicherlich nicht beklagen. 2006 verlor er seinen langjährigen Fahrensmann Grant McLennan, der mit nur 48 Jahren urplötzlich an einem Herzinfarkt verstarb. 15 Jahre später bekam seine Frau Karin Bäumler eine Krebsdiagnose – ein Ereignis, das seinerzeit die finalen Arbeiten an seinem fast fertiggestellten Album "The candle and the flame" überschattete und dieses teils bewusst ("She's a fighter"), teils unbewusst ("It's only poison") mit ganz neuer Bedeutung auflud. Aber Forster wäre kein echter Künstler, wenn er nicht auch Schmerz, Angst oder Verlust als Vor- und Antrieb nutzte, weiter Kunst zu machen. Mit "The evangelist" leistete Forster Trauerarbeit par excellence; auch heute ist dieses hoch emotionale Album noch Blaupause für die mehreren Phasen der Trauer, die man durchlebt – bis hin zu Akzeptanz und Überwindung. Heute, anno 2025, scheint sich Robert Forster so richtig freigestrampelt zu haben. "Strawberries" geht nämlich behutsam tastend den einen oder anderen neuen Weg, ohne das musikalische Erbe von Forster und McLennan zu verleugnen.

Natürlich finden sich auf diesem Album auch die Töne, die man von Forster erwartet. Immer dann, wenn er zu sparsam und sorgfältig instrumentierten Songs allerlei Melancholisches erzählt und singt, bestenfalls mit dieser stets etwas müden Stimme, als wäre er soeben erst unsanft geweckt worden. "Breakfast on a train" ist nachgerade ein Paradebeispiel: Fast acht Minuten lang schichtet Forster Strophe um Strophe, Refrain um Refrain aufeinander; trotzdem klebt man wie die Fliege am Honiglöffel dieser Musik, weil sie so schön geraten und komponiert ist. Auch "Such a shame" ist so eine Nummer, die strahlt. Gerade, weil sie nichts beweisen muss und kompositorisch ein bisschen was von Sinatras "My way" hat, aber ganz ohne bräsige Selbstgefälligkeit auskommt.

Doch dann wären da eben auch die anderen, teils neuen Seiten, die Forster aufschlägt: So zeigt er sich insbesondere im Opener "Tell it back to me" ungewohnt fit, energetisch, ja fast schon groovig-verspielt. Das geht mit Schmackes nach vorne, da verzeiht man sogar die reichlich unerwartet einsetzende Mundharmonika. "Good to cry" wiederum heißt ausgerechnet das bestgelaunte, wenn nicht etwas alberne Stück, welches hier und da schon in Richtung Country und Squaredance driftet. In "Strawberries" lauschen wir einem Duett mit Forsters Frau, hier kommen leicht jazzig-bluesige Töne und gar Saxofone zum Einsatz. Und der Rausschmeißer "Diamonds" fängt erst reichlich verstolpert mit leichten Velvet-Underground-Anleihen an, um immer wieder in fast schon atonale Abschnitte auszubrechen. Und wer ein bisschen die rumpelige Seite der Go-Betweens (die gab es ja bei allem Wohlklang auch) vermisst, der wird "All of the time" lieben.

Die Go-Betweens waren nie eine wirklich experimentelle Band. Sie haben sich innerhalb eines relativ übersichtlich abgesteckten musikalischen Rahmens bewegt, diesen jedoch so ziemlich in allen Schichten und Ebenen ausgelotet. Jetzt, kurz vor seinem 68. Geburtstag, scheint Robert Forster so langsam Lust zu bekommen, zu neuen Ufern aufzubrechen. Das macht er natürlich nicht überhastet und überstürzt, er braucht dazu auch keine PS-starke Motoryacht. Stattdessen setzt er sich mit einer Thermoskanne Kaffee ins Ruderboot und schaut einfach mal, wohin es ihn so treibt – und wie es so auf der anderen Seite des Sees aussieht. Wir freuen uns darüber, dass er uns auf diese Erkundungstour mitnimmt, und wünschen immer eine Handbreit Wasser unterm Kiel.

(Jochen Reinecke, www.plattentests.de)

Zuhören ist im wahrsten Sinne des Wortes eine aussterbende Kunst, doch die Wood Brothers pflegen und bewahren diese Tugend. Tatsächlich ist es das Geheimnis der Melange aus fröhlichen Klängen und Musikstilen auf Puff of Smoke, dem neunten Album des amerikanischen Roots-Trios mit Originalmusik. In den fast zwei Jahrzehnten, die das Grammy-nominierte Trio gemeinsam im Studio und auf Tour verbrachte, hat es seine einzigartige, verbundene Stimme zu telepathischen Ausmaßen verfeinert.

Auf diesem neuesten Studioalbum, einer echten Zusammenarbeit der drei Mitglieder, verweben die Songs ein Medley musikalischer Ideen – von lateinamerikanisch angehauchten Akustikgitarrenlinien über treibende Post-Jazz-Rhythmen bis hin zu mitreißenden Mitsing-Refrains – und ergeben so ein stimmiges, fröhliches Ganzes. All dies mit den für die Wood Brothers typischen Wendungen und einer unbeschwerten, aber subversiv tiefgründigen Weisheit im Kern. Puff of Smoke erinnert daran, dass das Leben kostbar und zugleich unsicher ist, und die Wood Brothers laden Sie ein, die Reise zu genießen.

Die Wood Brothers, von Paste als „Meister des Soulful Folk“ bezeichnet, gründeten sich, nachdem die Brüder Chris und Oliver Wood 15 Jahre lang getrennte musikalische Karrieren verfolgten. Mit dem Schlagzeuger Jano Rix als festem dritten Mitglied ist klar, dass die Wood Brothers tatsächlich die Hauptgruppe sind.

»Instant Holograms On Metal Film« ist 2025 das erste Stereolab-Album mit 13 neuen Studioaufnahmen nach 15 Jahren. Eingespielt wurde das Werk von Laetitia Sadier, Tim Gane, Andy Ramsay, Joe Watson und Xavi Muñoz, mit Gastbeiträgen von Cooper Crain und Rob Frye von Bitchin Bajas, Ben LaMar Gay (Komponist/Jazz-Multiinstrumentalist), Holger Zapf (Cavern Of Anti Matter), Marie Merlet (Monade) und Molly Read, und weiteren.

Robert Plant's »Saving Grace«, sein erstes Album mit einer neuen, hochkarätig besetzten Band, ist, wie er es nennt, »ein Liederbuch der Verlorenen und Gefundenen«. Es entstand während der Lockdowns in »The Shire«, als Plants übliches Umherwandern fast verboten war.

Auf dem englischen Land fand er engen Kontakt zu einer Gruppe von Musikern - der Sängerin Suzi Dian, dem Schlagzeuger Oli Jefferson, dem Gitarristen Tony Kelsey, dem Banjo- und Streicherspieler Matt Worley und dem Cellisten Barney Morse-Brown -, die alle eine gemeinsame Vorliebe für seine stimmungsvollen Lieder hatten. Saving Grace wurde von Plant und der Band produziert und über sechs Jahre hinweg in den Cotswolds und an den walisischen Grenzen aufgenommen. Das Album haucht einem Schatz von Songs von Memphis Minnie, Bob Mosley (Moby Grape), Blind Willie Johnson, The Low Anthem, Martha Scanlan, Sarah Siskind und Low neues Leben ein.

Bonnie »Prince« Billy - Alias des Musikers Will Oldham - veröffentlicht 2025 sein neues Studioalbum mit dem Titel »The Purple Bird«.

»The Purple Bird« wurde in Nashville mit dem Produzenten David »Ferg« Ferguson und einem Ensemble erstklassiger Session-Musiker aufgenommen. Es könnte als »eine richtige Nashville-Platte« bezeichnet werden, die aus einer Sammlung von Songs besteht, die hauptsächlich am Küchentisch von Ferg entstanden sind.

Auf »The Purple Bird« arbeitet Bonnie »Prince« Billy erst zum zweiten Mal in seiner illustren Karriere mit einem Produzenten zusammen. Seine Beziehung zu Ferg reicht mehr als zwei Jahrzehnte zurück bis zu den Sessions für das Johnny Cash-Album American III mit Rick Rubin, bei denen Ferg als Tontechniker fungierte und bei denen Cash eine Coverversion des BPB-Tracks »I See A Darkness« aufnahm. Die beiden haben im Laufe der Jahre an zahlreichen Projekten zusammengearbeitet, aber an keinem so intensiv wie an »The Purple Bird«. Was bedeutet »eine richtige Nashville«-Platte für den rätselhaften Bonnie »Prince« Billy? Zu Beginn der Sessions hatte Ferg zu Oldham gesagt : »Ich will keine Country-Platte machen, mach einfach deinen Scheiß, Will.«

Zurück zum Rock

Nach einem Ausflug in Blues-Gefilde kehren Little Feat auf ihrem neuen Album »Strike Up The Band« zum Southern-Rock zurück.

Es ist das erste vollständige Werk der Band mit neuen, selbst geschriebenen Songs seit über 13 Jahren. Und egal ob von Gründungsmitglied Bill Payne verfasst oder von einem der jüngeren Musiker, die Stücke rocken und grooven im besten Little-Feat-Stil. Auch die Gäste wie Molly Tuttle oder Larkin Poe fügen sich hervorragend ein.

»Strike Up The Band« ist Little Feats triumphale Rückkehr zum Rock'n'Roll mit viel sumpfigem Südstaaten-Soul mit Bill Payne (Keyboards/Gesang), Scott Sharrard (Gitarre/Gesang), Tony Leone (Schlagzeug/Gesang), Fred Tackett (Gitarre), Kenny Gradney (Bass) und Sam Clayton (Percussion/Gesang).

Es ist ihr erstes Album mit neuem Material seit über 13 Jahren, mit Songs, die von Payne und Tacket sowie den neuen Feat-Mitgliedern Sharrrard und Leone geschrieben wurden. Produziert wurde das Album von dem mehrfachen Grammy-Preisträger Vance Powell (Phish, Chris Stapleton, Jack White) und Bill Payne. Der Song »Bluegrass Pines« mit den Special Guests Molly Tuttle und Larry Campbell & Teresa Williams wurde von Payne und dem Grateful Dead-Texter Robert Hunter geschrieben, und beim Titelsong sind Rebecca und Megan Lovell (Larkin Poe) als Gastsängerinnen zu hören.

»Waves of Desire« des kanadischen Singer / Songwriters Jerry Leger ist der perfekte Nachfolger seines letzten Studioalbums »Donlands«. Produziert von Mark Howard (bekannt für seine Arbeit für Lucinda Williams, Bob Dylan und Tom Waits), ist es ein Album voller Verletzlichkeit, Raum und Atmosphäre. »Waves of Desire« knüpft daran an, allerdings mit mehr Pop-Sensibilität und Texturen. Ron Sexsmith, einer der angesehensten Singer-Songwriter, sagt: »Leger hat diesen Funken in sich, den alle großen Songwriter haben. Er ist das einzig Wahre«

Louis Philippe und The Night Mail sind 2025 zurück mit einem neuen, fesselnden Album, auf dem die Songs wieder einmal makellos sind.

Die Reise geht dieses Mal weiter, weg vom Klassischen, hin zum Unerwarteten. Neue Synthesizer und Claps machen das Ganze unmittelbar und plötzlich, während Stimmen wie aus luftiger Höhe und scheinbar spielerisch-furchtlos durch das Album rufen. Neben den üblichen Geschichten, die man sich so erzählt, gibt es eine geheime, parallele Version der Pophistorie, die von den wahren Enthusiasten und Eklektikern geschrieben wurde.

Von jenen, für die ein Dauerbrenner wie Pet Sounds nicht nur Anlass zu endlosen Behauptungen über seine Außergewöhnlichkeit war, sondern auch mündete in einer Aneinanderreihung harmonischer Reichtümer, die bis ins einundzwanzigste Jahrhundert reicht. In diesem alternativen Universum ist Philippe Auclair alias Louis Philippe, anglo-französischer Singer-Songwriter sondergleichen, seit vier Jahrzehnten eine bewunderte Größe. Philippes musikalische Anfänge liegen als Pop-Protagonist und Haus-Produzent bei Mike Always legendärem Label él Records. Von hier aus führten ihn seine Ausflüge in den Shibuya-Sound und zur Zusammenarbeit mit Leuten wie Bertrand Burgalat, Dave Gregory von XTC, Sean O"Hagan von High Llamas und Stuart Moxham von Young Marble Giants bis hin zu seinen jüngsten Abenteuern mit The Night Mail.

The Night Mail kamen vor zehn Jahren zusammen, um ein Album mit dem unterschätzten Post-Glam-Genie John Howard aufzunehmen. Nach diesem einmaligen Projekt verbrachten sie ein paar Abende in London, um als Begleitband für Robert Forster und Louis Philippe zu spielen, und schlossen dabei eine Allianz mit Letzterem, die 2020 zu ihrem ersten gemeinsamen Album Thunderclouds führen sollte. Angesichts der Komplexität, den reichhaltigen Sound dieses Albums auf der Bühne zu realisieren, holte Philippe seinen langjährigen Partner, musikalische Koryphäe und Multiinstrumentalist Danny Manners an Bord.

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Nach zwei pandemisch bedingten »Reaktions«-Alben -Yay! (2023) und Neigh!! (2024), ein paar Non-Album-Singles und einem Compilation-Album sind Motorpsychaut wieder da, wo wir sie alle kennen und lieben: mit einem epischen, ausufernden Doppelalbum, das bis zum Rand gefüllt ist mit einfallsreicher, organischer und ekstatischer Rockmusik. Freut euch auf Psychonaut!

Dieses 11-Song-Werk mit dem gleichnamigen Titel bietet genau so viel Abwechslung und Vielfalt, Harmonie und Zwietracht, wie man es von einer Band erwartet, die schon einige Alben veröffentlicht hat und heutzutage als eine Institution im europäischen Rock gelten muss. Von prägnanten 3-Minuten-irgendwas-Pop-Rockern bis zu 20-Minuten-plus-Progressiv-Epen, über akustische Intimitäten und psychedelische Ausraster, das ist geballte Motorpsychose: Rebis gestartet, Countdown eingeleitet. Immer näher. Immer schärfer...

Da die traditionelle 3- oder 4-köpfige Rockband heutzutage eine aussterbende Rasse zu sein scheint und MP ohnehin immer eine Band im Wandel war, hat in der Psychoverse eine neue pragmatische Ära begonnen. Die Band wurde, wie man es alchemistisch ausdrücken könnte, »aufgelöst und gereinigt« und ist nun wieder auf die beiden Gründungsmitglieder HMR und BS reduziert. Das ist nichts Neues, das ist schon ein paar Mal vorgekommen, aber heutzutage sind sie auch die Eigentümer und Macher der Plattenfirma NFGS, die jetzt der Dreh- und Angelpunkt aller Bandaktivitäten ist, und Motorpsycho markiert zum ersten Mal seit 35 Jahren die endgültige Trennung von bestehenden Verbindungen zu anderen Labels. Wenn »Freiheit frei von dem Bedürfnis ist, frei zu sein«, dann ist es das hier. Igitt!

Der minimalistische Titel des Albums ist dann nicht nur einprägsam, sondern auch ein Statement: Eine neue Ära in der Psychoverse hat begonnen, ein Zustand, der sich in Ausführung und Details ebenso widerspiegelt wie im Titel, wenn nicht gar in Anspruch und Umfang: »Senex psittacus negligit ferulam« *.

Dies ist eine Zeit des Neubeginns für eine Band, die zwei Jahre damit verbracht hat, sich zu konsolidieren und neu auszurichten, bevor sie sich mit schmetternden Trompeten auf einen neuen Weg begibt (... und Trompeten werden in der Psychoverse nicht viel lauter geschmettert als bei dieser großspurigen Übertreibung. Das macht Spaß! ). In der Tat, ein neuer Tag bricht an.

Die Kernband wurde bei diesen Aufnahmen geschickt von einer Schar von Größen aus der gesamten skandinavischen Musiklandschaft unterstützt: Die Schlagzeuger Ingvald Vassbø und Olaf Olsen, die Streicherarrangeurin/Violinistin Mari Persen, die Sängerin Thea Grant und - wie üblich - der Ehren-Psycho, Bruder Reine Fiske, waren alle Mitreisende auf dieser musikalischen Reise.

Motorpsycho wurde von der Band und Deathprod koproduziert und von Andrew Scheps gemischt.

Motorpsycho sind nicht die Besten in dem, was sie tun, sie sind die Einzigen, die tun, was sie tun.

.​.​.​mehrstimmige Gesänge, großartige Gitarrenläufe, eine vom Fuzz-Bass getriebene Rhythmusfraktion und zum Glück immer wieder mal der eine oder andere besinnliche, fast folkige Moment, der zum Durchatmen einlädt.​ Von solchen ›Comebacks‹ bitte mehr!

(GoodTimes, April/Mai 2025)

Die Indie-Rock-Band The Apartments veröffentlichen ihr achtes Album »That's What The Music Is For«.

Peter Milton Walsh begann 2023 mit der Aufnahme von »That's What The Music Is For« gemeinsam mit Produzent Tim Kevin, wobei er die Songs nach und nach wie ein Pointillist entstehen ließ. Unterstützt wurde er dabei von Musikern wie Tim Kevin (Gitarre, Percussion, Piano, Melodica, Backing Vocals), Nick Kennedy (Schlagzeug, Maracas), Adrian Workman (Bass), Natasha Penot (Gesang), Jeff Crawley (Trompete), Neysa May Barnett (Gesang), Pauline Drand (Gitarre) und Xavier Guéant-Mata (Gitarre).

Das Album erzählt Geschichten über Zeit, Erinnerung und Abschiede und verbindet Elemente von Melancholie, Blechbläsern, Streichern und feinsinniger Komposition. Walshs Stücke laden dazu ein, eigene Deutungen der Erzählungen zu finden, und spiegeln so die Essenz großer Kunst wider. The Apartments werden im Frühjahr 2026 auf Europatour gehen.

Kinky Friedmans letztes Album »Poet Of Motel 6« ist eine bewegende Sammlung von zehn Songs über Liebe und Verlust.

Von seiner Hommage an Billy Joe Shaver bis zu seinem Lobgesang auf die verstorbene, berüchtigte Mystery Woman Miranda Grosvenor in »Whitney Walton Has Flown Away« lotet Kinky auf seinem letzten Album die Tiefen von Liebe und Sterblichkeit aus. Zusammen mit texanischen Größen wie Jimmie Dale Gilmore, Rick Trevino, Amy Nelson und Rodney Crowell und produziert von David Mansfield, einem ehemaligen Mitglied der Rolling Thunder Revue, legt dieses Album das Herz dieses texanischen Barden frei.

Leider verstarb Kinky Friedman am 27. Juni 2024.

»Horror« befasst sich mit der Geschichte und den Hinterlassenschaften des britischen Imperialismus, wobei die Texte mit einem Mekons-typisch eklektischen Sound unterlegt sind, der alles von Dub, Country, Noise, Rock'n'Roll, Electronica, Punk, Music Hall und Polka in sich vereint, und bei »Sad And Sad And Sad« kann man sogar mit seinem Partner einen schönen Walzer tanzen.

Die Wurzeln ihres globalen Sounds spiegeln ihre nomadische Reise durch Zeit und Raum von Leeds nach Kalifornien im Westen und Sibirien im Osten wider und sind in das Gewebe und die Feinheiten ihrer Songkreationen eingewoben. In »Mudcrawlers«, das wie The Chills und R.E.M. zu Zeiten von I.R.S. Records klingt, singt fast die gesamte Band zusammen mit Jon Langford über die irische Hungersnot und Flüchtlinge, die nach Wales reisen. War Economy» lässt die Kälte solcher mit Boroughs gespickten Einzeiler erzittern: »Mit klinischem Zwang lässt sich keine Vorherrschaft erreichen!« Der Song, der klingt, als stamme er direkt von einem Neonschild von Jenny Holzer (sie ist die Autorin von Abuse Of Power Comes As No Surprise), wird von einem verärgerten, schwadronierenden Riff zusammengehalten, das eine Explosion der Beunruhigung untermauert. In der Zwischenzeit übernimmt Rico die Führung bei dem bösartigen, üppigen »Fallen Leaves», einer entsetzten und entsetzlichen Hammer-Horror-Version des Klimazusammenbruchs, die an Rolling Thunder Dylan und an The Pogues in ihrer introspektivsten Form erinnert, deren keltische Dämmerung durch Susie Honeymans klagende Geige verstärkt wird, während die sterbende Sonne untergeht und der Fluss Styx in der pechschwarzen Nacht weiterfließt. Nach fast 50 Jahren verblüffen die Mekons immer noch mit ihrem Sound, ihren Gefühlen und ihrer Vortragsweise, die vom Bassisten und Studiomagier Dave Trumfio zur Perfektion gebracht wurden. Die Mekons sind Jon Langford, Sally Timms, Tom Greenhalgh, Dave Trumfio, Susie Honeyman, Rico Bell, Steve Goulding und Lu Edmonds.

Die Zeit vergeht wie im Flug, wenn man Tunng heißt. Kann es wirklich schon über zwei Jahrzehnte her sein, dass die Band ihre genreübergreifende »Pagan Folktronica« zum ersten Mal in einem Studio im Osten Londons mit einer Reihe von Singles auf dem kleinen Label Static Caravan veröffentlichte, die von Gilles Peterson unterstützt wurden? Das kann es sicherlich. Im Januar 2025 jährt sich das Erscheinen von »This is Tunng... Mother's Daughter and Other Songs«.

Das Album, das akustische Gitarren und poetische Abhandlungen über Natur, Mythologie und den Zustand des Menschen durch ein Gitter aus gebrochenen Beats und knisternder Elektronik filtert, klingt immer noch wie eine pietätlose postmoderne Hochzeit des Rustikalen und Synthetischen, des Rätselhaften und Futuristischen. Wie auch immer man es beschreiben mag, der 20 Jahre alte, unverkennbare Sound kehrt auf Tunngs achtem Studioalbum »Love You All Over Again« zurück, das am 24.Januar 2025 über Full Time Hobby erscheint.

You likely know, or at least have heard, vocalist and guitarist Blondie Chaplin. He was a member of The Flames in the 1960s, and then The Beach Boys in the early 1970s. He also recorded with The Rolling Stones and The Band, as well as several other artists, and released a few solo albums. The guy has quite a music career. He joined The Tasty Kings for Native Tongue, which was released digitally in 2023, and has now gotten a proper CD release. Why it didn’t get a wide release initially is something I can’t fathom. It features excellent songs performed by accomplished musicians. The Tasty Kings were founded by guitarist Andrew Morse, who wrote the material on this album. The band has had several different members over the course of its history, and now includes Darryl Jones, who also plays bass in The Rolling Stones, and Charlie Sexton, who is known for his work with Bob Dylan and is also a member of Elvis Costello’s band. So, you know, this is a band you might want to pay attention to. This album also features the talents of Charley Drayton on drums (you know him from his work with Keith Richards), Kevin Trainor on guitar, Tony Garnier on bass, George Reiff on bass, Stephen Barber on piano and keyboards, Ian McLagan (of Small Faces) on keyboards (those tracks must have been recorded a while ago, as McLagan died in 2014), and Jose Galeano on percussion. Juliana Sheffield, Sally Allen and Teresa Gattison provide backing vocals.

The album opens with “Done & Dusted.” There is a bit of a Rolling Stones vibe to this song, it taking place in that great meeting place of country, blues and rock. Blondie Chaplin delivers a good lead vocal performance. “Done and dusted/I’m just waitin’ to be/Done and dusted/Nothing left of me.” Andrew Morse wrote this one at the beginning of the pandemic, when everything was shut down and people were afraid to go out. It was a strange experience, to be sure, walking about in a usually-crowded area, and finding no one, the restaurants and everything closed. I remember driving at rush hour here in Los Angeles, and never having to hit my brakes. “Done and dusted/In the city that sleeps.” That’s followed by “Maybe I’m A Queen,” a stirring song, in which Blondie Chaplin sings, “Maybe I believe/Maybe I don’t/Maybe I’ll succeed/Maybe I won’t.” The repetition of the word “maybe” works so well, particularly as there are no certainties anymore. There is a sort of introspective bent to it, but then it turns outward, as it comes to address another person: “Tell me, my love, my love/When we were enough.” The song seems to encompass, or embrace, all possibilities, and so all people. It’s a beautiful and sad song, and Blondie Chaplin gives a passionate and beautiful vocal performance. Milo Deering plays dobro on this track, delivering some wonderful work. This is one of my personal favorites.

Listening to “Birthday Girl” the first time, I couldn’t help but think of my niece, who had turned nineteen just two days earlier. How the time flies. “The years go by, that’s how it goes.” Indeed. There is a nice vibe about this song. “You’re the birthday girl/And the whole wide world loves you.” This is one of the tracks to feature Ian McLagan on keyboards. Then there is a more somber, but dreamlike quality to “South America” as it begins. And the first line hits us hard: “The Statue of Liberty has gone dark.” Yup, that is just about right. It’s a big line, isn’t it? It is interestingly followed by a somewhat more mundane and usual concern: “And there’s nowhere to park.” Certainly, that’s a common frustration, at least for those of us who live in cities. These lines make me think of that whiny sociopath currently occupying the White House: “And his big day was ruined/By the small size/Of his crowd.” But this song is not about that; rather it is a look back at a relationship that fell apart. There is a sad beauty to its sound, to its delivery. “And if just one more time/I could put my lips/On South America/I’d remember for a while/And die with a smile.” I love the guitar work on this track, particularly that lead in the second half.

“Oceans Unfaithful” certainly has a Rolling Stones flavor, and its opening lines grab us: “The sky is right/The wind is wrong/The ocean’s unfaithful/But it won’t take long.” That idea, that image, of an unfaithful ocean is particularly wonderful. “Take my hand/Aces and eights/And lay your head/On the dinner plate/The world is stuck/In black and white/To live my life/In paradise.” That’s followed by “George Floyd.” There have been several songs written about George Floyd. His murder by the police sparked outrage in anyone with a pulse. It was yet one more bit of evidence that this country hasn’t really made any progress at all. If you need further proof of that, just look at who is in the White House now, and think of all the eager little fascists who put him back there. This is a strong and moving song. Here is a taste of the lyrics: “Well, two sets of rules/One black and one white/That’s the best we can do/As you beg for your life/A few on the ground/Tried to shut down/What they saw/But the men of the law/The men of the law/Oh, the men of the law.” This song does not end on an optimistic note, but rather an honest one: “But the river of evil/That runs through the hearts/Of the men/Will do it again/Again and again/And again.”

“Flyboy” is a song touching on Greek mythology, particularly the story of Daedalus and his son Icarus. It has something of a sweet country flavor, and contains what is possibly the album’s best vocal performance. It is powerful and passionate, just fantastic, reminding me a bit of some of Richard Thompson’s work. And that performance is the main reason this track is another of the disc’s highlights. Here is a taste of the lyrics: “He considers the grace/And the shape of a bird/And tries to imagine/Escaping this earth/Slipping the bonds/Of the surly unkind/To go somewhere new/For the rest of his life.” The Tasty Kings then turn to a reggae groove for “Steady Reggie,” a song about a moving company. This one features John Mills joining the group on saxophone and Joel Diamond joining on keyboards, and also contains a lot of good stuff on guitar.

“Kiss Me” has a sweet folk sound, featuring some pretty guitar work. After we’ve gotten comfortable in this wonderful music and atmosphere, Blondie sings the first line, “Maybe you should kiss me.” And there is so much joy in the room that a kiss sounds like exactly the right thing. Though, after a brief pause, he follows that line with this one: “Maybe you should dismiss me.” This is another of my personal favorites. It even contains a Shakespeare reference: “If all the world’s a stage/Maybe we should turn the page.” That reference is to Jacques’ famous speech from As You Like It, which begins “All the world’s a stage/And all the men and women merely players.” A kiss plays a part in “Girl Next Door” too: “But I remember/I kissed her once before/That girl next door.” This is another of the tracks to feature Ian McLagan on keyboards, and there is some really nice guitar work too. It’s a perfect conclusion to an excellent album.

(Michael Doherty, michaelsmusiclog.blogspot.com, 14.03.2025)

Das kultige Album "Dublin Blues" des legendären Songwriters Guy Clark erstrahlt mit dieser neu abgemischten und remasterten Neuauflage in neuem Glanz. Das Album wurde von Miles Wilkinson, dem ursprünglichen Co-Produzenten und Toningenieur, im Compass Sound Studio in Nashville (ehemals Glaser Sound Studio, auch bekannt als „Hillbilly Central“) neu abgemischt. Die Liner Notes wurden von Wilkinson und Clarks ehemaligem Tourpartner, dem gefeierten Singer-Songwriter Darrell Scott, verfasst. Mit Sam Bush, Travis Clark, Donivan Cowart, Rodney Crowell, Ramblin' Jack Elliott, Nanci Griffith, Emmylou Harris, Jelly Roll Johnson, Kenny Malone, Kathy Mattea, Suzi Ragsdale, Darrell Scott, Verlon Thompson, Jonathan Yudkin.

A mere three years after Boats to Build, Guy Clark offered Dublin Blues, a record filled with sizzle, inspiration, and his best batch of songs in years. Teaming with Miles Wilkinson for the third time and using in the studio for the first time his road band -- which includes über guitarist and singer Darrell Scott -- Clark delivers a batch of searing portraits, intimate observations, first-person narratives, and one dumb throwaway cut ("Baby Went to Memphis in a Limo"). As usual, some old friends return to the fold -- Rodney Crowell, Emmylou Harris, Sam Bush, Verlon Thompson, Kenny Malone, and Suzy Ragsdale -- but there are new faces as well like Ramblin' Jack Elliott, Nanci Griffith, and Kathy Mattea. The magic begins with the title track. Haunted Celtic melodies played on the fiddle and a mandolin with an acoustic guitar usher in a country song that could be from the countryside of Ireland. With Mattea on the backing vocals, the listener is transported between worlds in time and space. "Black Diamond Strings" is a friendly little number about what else: guitar strings! Its catchy hook and singalong chorus make it a Clark winner. "Shut Up and Talk to Me" features Scott playing the swinging blues as Clark counts off the music like a fierce memory. "Stuff That Works" is another of Clark's quiet observation tunes, where his words speak volumes and the instruments underline their meanings. It's a workingman's anthem sung seemingly from the workshop bench. But "Hank Williams Said It Best," "Tryin' to Try," "Cape," and "Hangin' Your Life on the Wall" are all tremendous in their scope and intimacy. They are full of dimension and depth, and Wilkinson gives them textures. The set ends with a re-recording of the spooky yet shattering elegy "The Randall Knife" Clark cut on Better Days. The difference here is age. The view Clark sings from is one of distance and age. "The Randall Knife" doesn't feel quite so spooky this time out, but it does resonate with empathy and even tenderness. As it winds to a close, the listener is left not in bewildered silence but in awe that such a bond exists at all.

(by Thom Jurek, All Music Guide)

The Blue Aeroplanes sind die am längsten bestehende Band in Bristol und eine echte Art-Rock-Institution, die Generationen von Post-Punk- und Alternative-Gruppen wie R.E.M., Radiohead und Manic Street Preachers inspiriert hat.

"Magical Realism - The Best Of The Blue Aeroplanes 1985-2025“ ist die erste von der Band kuratierte Anthologie, die Tracks aus ihrem gesamten Katalog enthält, neu gemastert von Phil Kinrade bei AIR Mastering. Die Sammlung enthält 23 Tracks, darunter Indie-Hymnen wie „...And Stones“ und „Jacket Hangs“, Fan-Favoriten wie die Klassiker „Fun“ und „Bury Your Love Like Treasure“ sowie neuere Songs wie „Dead Tree! Dead Tree!“, der zu einem Highlight der legendären Live-Sets der Band geworden ist. Außerdem sind zwei Bonustracks enthalten - 'Showing Off To Impress The Girls', eine Aufnahme der Vor-Blue Aeroplanes-Gruppe Art Objects, und 'I Will Love You', ein exklusives Demo eines brandneuen Songs.

Im Oktober 2024 kündigt die legendäre britische Band Cymande ihre musikalische Rückkehr mit ihrem ersten Studioalbum »Renascence« seit vielen an, das im Januar 2025 folgt.

»Renascence« ist eine echte Rückkehr zur Form und das Kronjuwel ihrer legendären Diskographie. Es setzt dort an, wo ihr Album »Promised Heights« aus dem Jahr 1974 aufgehört hat – ein spiritueller und klanglicher Nachfolger, der ihrem legendären Sound, der für die frühen Hip-Hop- und Funkszenen in den USA und Großbritannien grundlegend bleibt, eine frische, moderne Note verleiht. »Renascence« erzählt die Geschichte einer Band, die damals nie ganz die Anerkennung bekam, die ihr gebührt; die aber zurück ist, um die Krone zu erobern, indem sie sich selbst treu bleibt – politisch bewusst und spirituell positiv mit ansteckenden Grooves.

»Chasing An Empty Dream« ist die erste Single, die von Renascence veröffentlicht wird, und wird erstmals von Chris Hawkins auf 6 Music gespielt. Sie lockt Sie zurück in die Welt von Cymande mit einem unvergesslichen Grizzly-Bassline-Hook – ganz in ihrer Art –, süchtig machenden Perkussionsinstrumenten, globalen Rhythmen, die von ihren diasporischen Ursprüngen inspiriert sind, vielschichtigen Bläsern und einer kraftvollen Botschaft für die Welt.

Die Band machte eine fantastische Show bei »Later…With Jools Holland« und spielte die Titel »Chasing An Empty Dream‹ und ›Bra‹. Sie traten zusammen mit Nia Smith, Manic Street Preachers, Jerron Patxon und MØ auf. Dies wird ihr allererster Auftritt im britischen Fernsehen sein!

Anfang des Jahres wurde Cymandes einzigartige Geschichte erstmals auf der großen Leinwand in Großbritannien (via BFI) und in Kinos auf der ganzen Welt mit ‹Getting It Back: The Story Of Cymande‹ (Regie des preisgekrönten Regisseurs Tim Mackenzie-Smith) erzählt. Es enthält Interviews mit Mark Ronson, Laura Lee und Mark Speer (Khruangbin), DJ Maseo (De La Soul), Jazzie B (Soul II Soul), Loyle Carner und vielen mehr. Die Dokumentation unterstreicht auch die Bedeutung der Band bei der Geburt des Hip Hop, wo viele ihrer Tracks von Leuten wie Fugees, Wu-Tang Clan, De La Soul, MC Solaar und Queen Latifah gesampelt wurden.

Chris Eckman ist einer dieser Songwriter mit dem Gespür eines Alchemisten. Das hat er im Laufe der Jahre als Songwriter der Seattle Rock-Folk-Band The Walkabouts sowie in seiner viel gelobten Solokarriere mit sechs Alben bewiesen. Seine Songs wurden von Townes Van Zandt, Steve Wynn, Willard Grant Conspiracy (und anderen) aufgenommen, und sein letztes Album, das sparsame, geisterhafte Where the Spirit Rests, gewann 2021 den renommierten Preis der Deutschen Schallplattenkritik.
Dreieinhalb Jahre später ist er mit »The Land We Knew the Best« zurück und hat neue Geschichten zu erzählen.

THE LAND WE KNEW THE BEST knüpft voll und ganz an die Qualität des Vorgängers an.​ Insgesamt fällt er aber nicht ganz so ruhig aus, mitunter rocken Eckman und seine Band gar Crazy-Horseartig los.​

(GoodTimes, Februar/März 2025)

Seit dem unbetitelten Debüt-Album (VÖ 2020) entsteht der Charakter von KRATZEN aus der Limitation: Die Band spielt nur das Nötigste. KRATZEN mag keine Hierarchien, keine Leadgitarren. Niemand, der sich nach vorne drängelt. KRATZEN glaubt an die Energie, die entsteht, wenn sich plötzlich kleine Dinge verändern. „III“ ist beheimatet im gleichen Koordinatensystem wie die Vorgänger, aber mit zusätzlichen Dimensionen. „III“ ist weiterhin Krautwave. Aber die Band steckt nicht in einer selbstgebauten Schublade. Sie entfaltet sich.

(André Boße)

Die Musik der Rose City Band ist sonnengeküsster, zeitloser Country-Rock, dessen scheinbar müheloser Schwung die Freude an seiner Entstehung transportiert, ohne die Dunkelheit zu ignorieren, die unser Bewusstsein durchdringt.

Rose City Band unter der Leitung des Gitarristen und Sängers Ripley Johnson haben ihre Wurzeln in seiner Liebe zu den Schallplatten der Privatpresse von Mitte bis Ende der 70er Jahre. Zur Band gehören neben Johnson der Pedal-Steel-Gitarrist Barry Walker, der Keyboarder Paul Hasenberg und der Schlagzeuger John Jeffrey, die ein ausgeprägtes Gespür für rhythmischen Schwung und Melodie mit sanfteren, üppigen Atmosphären verbinden.

Die nuancierten Darbietungen und das Zusammenspiel der Musiker entfalten sich wie Wüstenblumen, die Farbe in eine karge Landschaft bringen. Die beschwingten Momente des Ensembles gleiten immer noch mit Leichtigkeit dahin, aber es gibt auch Raum, um sich im Schatten einer dunklen Wolke zu erholen. Johnsons geschmackvolle Gitarreneinwürfe und seine beruhigende Stimme werden durch das vielseitige Spiel von Walker, Hasenberg und Jeffery ergänzt, mit einem besonderen Gastauftritt der Synthesizer-Sängerin Sanae Yamada.

Der Abschluss des Albums »The Walls« fängt die forschenden und ausladenden Songs der Band perfekt ein, wobei Hasenbergs gefühlvolles Organ das Album zu einem emotionalen, kathartischen Abschluss bringt. Während seiner langen Karriere mit Wooden Shjips, Moon Duo und jetzt Rose City Band hat sich Johnsons Musik stets um Erkundung und Entdeckung gedreht. Sol Y Sombra durchtränkt seine Vorliebe für Raum und strahlende Tonalität mit einem dichteren Amalgam seiner Einflüsse durch ein delikates Gleichgewicht von Düsternis und Heiterkeit, von subtilen Entwicklungen und vertrauten Klängen, Sol Y Sombra sorgt für eine ganzheitlich freudige Erfahrung, die sowohl in der Sonne als auch im Schatten Trost findet.

Rose City Band’s music is sun-kissed timeless country rock whose seemingly effortless momentum carries the joy of its creation without ignoring the darkness pervading our consciousness. Led by guitarist/vocalist Ripley Johnson, the music of Rose City Band is rooted in his love of private press records of the mid to late 70’s. The band, in addition to Johnson, features pedal steel guitarist Barry Walker, keyboardist Paul Hasenberg and drummer John Jeffrey who enmesh a keen sense of rhythmic drive and melody with gentler, sumptuous atmospheres. Sol Y Sombra digs its heels into insatiable grooves, its parade of catchy songs conjuring a sunset drive through an open desert, both a celebration of a sojourn and a reach for the warmth of home.

The contrasts of Sol Y Sombra, the musical equivalent of bright stars in a night sky, are to Johnson an inevitability. “With Rose City Band, I'm generally trying to make uplifting music, good time music,” says Johnson. “This time I couldn't avoid the shadow being more of a presence. There's no getting away from it. The shadow is always there. So, I left it in.” Like many genre-breaking private press albums, the melancholia-infused Sol Y Sombra’s contrasts equally enhance moments of joy and movement whilst elevating the music with its honesty and intimacy. Nuanced performances and interplay between players unfurl like desert flowers splashing color onto an arid landscape. The ensemble's buoyant moments still glide with ease, but there is room to revel in respite of the shade of a dark cloud. For Johnson, the album finds places where the conscious meets the unconscious, the songs emanating the more mercurial and curious aspects of their sonic dream world, using darker hues to paint the panorama around them.

Sol Y Sombra’s opener “Lights on the Way” is halogen on the highways, a beam of light pressing onward past dashed lines and soaring with Johnson’s guitar work and lush harmonies. The album’s first half is rife with blissful Americana, from upbeat rollicks to ballads dripping with sweet molasses. Walker’s pedal steel speckles the slow-motion shuffle of “Evergreen” with glinting starlight. His playing throughout pairs perfectly with Johnson’s effervescent guitar lines, exuding the casual virtuosity of pedal steel country legends while lending remarkable modern twists to his graceful licks. Across the album, Johnson’s tasteful guitar interjections and soothing voice are met in kind with the versatile playing of Walker, Hasenberg, and Jeffery, with special guest performances by synthesist/vocalist Sanae Yamada. Album closer “The Walls” perfectly captures the band’s explorative and expansive songs, Hasenberg’s soulful organ driving the album to an emotionally cathartic conclusion.

Throughout his prolific career with Wooden Shjips, Moon Duo and now Rose City Band, Johnson’s music has consistently centered around exploration and discovery. Sol Y Sombra imbues his penchant for space and resplendent tonality with a denser amalgam of his influences. Johnson tactfully incorporates new elements with deftness and fluidity, while holding the band’s center intact. “One of my takeaways from making this record is that I spent a lot of energy trying to do things a little different but ended up back where I started in many ways,” notes Johnson. “And that's OK.” Through a delicate balance of the somber and the serene, of subtle evolutions and familiar sounds, Sol Y Sombra makes for a holistically joyous experience, finding solace in both sun and shade.

Nach vier Jahren kehren The Weather Station mit dem Nachfolger des Albums Ignorance zurück: Ihr neues Album heißt »Humanhood«. Die erste Single »Neon Signs« ist eine erste Ankündigung daraus.

Ignorance war wohl das am besten rezensierte Album des Jahres 2021: Album des Jahres bei The New Yorker, UNCUT, The Globe and Mail, The Observer und Top 10 bei der New York Times, The Guardian, PItchfork, Rolling Stone Germany, Stereogum, und vielen mehr.

Weather Station-Mastermind und Sängerin Tamara Lindeman hat Humanhood gemeinsam mit Marcus Paquin produziert.

.​.​.​mitunter geradezu betörend - spielerische Klasse trifft grandiosen Breitwand-Sound.​«

(AUDIO+stereoplay *Klangtipp*, Februar 2025)

»Spring Board: The Early Unrecorded Songs« ist das letzte leidenschaftliches Projekt von Chills' Martin Phillipps vor seinem plötzlichen Tod. Es ist eine engagierte Neuinterpretation früher, unveröffentlichter Songs, die zu seinem künstlerischen Abschied, einem bleibenden Vermächtnis und einer Erinnerung an sein großes, unterschätztes Talent werden.

Das Album wurde mit der Liebe und dem Enthusiasmus seiner Band, der Familie und Freunden abgeschlossen. Martin Phillipps, Sänger, Songwriter und Hauptmotivator der Chills hat in den 2000er Studio- und Live-Alben veröffentlicht, während er mit dem typischen Elan in sein sechzigstes Lebensjahr ging. Inmitten dieser Dynamik suchte er immer noch in alten (Demo-)Bändern nach den Ursprüngen, die 1987 zu seinem weltweiten Erfolg geführt hatten, der zwar über Nacht eintrat und doch sieben Jahre brauchte, um zu zünden. Diese frühen Songs und Skizzen wurden wieder aufgegriffen, überarbeitet und schließlich auf Album gebannt.

»Spring Board« ist somit das letzte Kapitel des unermesslich bedeutsamen Schaffens des Martin »The Chills« Phillipps, ist alarmierend, persönlich, spröde und manchmal hoffnungslos optimistisch. Hier blickt ein Mann zurück auf eine wellenförmige Karriere, die zu nichts Geringerem als Kultstatus führte. Die Lieder eines Menschen, der seine Wurzeln und die innersten Gedanken, Hoffnungen und Ängste seines jungen Ichs wiederentdeckt und zum ersten Mal.

Enthält Beiträge von Julia Deans von Fur Patrol, Elroy Finn und Neil Finn von Split Enz/Crowded House, Hollie Fullbrook von Tiny Ruins, Greg Haver von den Manics, Troy Kingi, Shona Laing, Tami Neilson, Dianne Swann (Everything That Flies) und Clementine Valentine von Purple Pilgrims. The Chills 2024 sind/waren Martin Phillipps, Oli Wilson, Erica Scally, Callum Hampton und Todd Knudson.

"Live Mind“ ist das erste Live-Album der Rock-Supergruppe The Third Mind. Mit über einer Stunde an Auftritten wurde „Live Mind“ von Don Boles, Will Golden und Brett Brock aus Shows im Februar und März 2024 im Troubadour in Los Angeles, in der Ventura Music Hall in Ventura, Kalifornien, und im Kessler Theater in Dallas, Texas, ausgesucht und zusammengestellt. Produziert wurde das Album von Dave Alvin und Victor Krummenacher, gemischt und gemastert von Craig Parker Adams in Winslow Court, Los Angeles, CA.

Was vor vier Jahren als musikalische Wunschvorstellung begann, ist nun Realität: die Supergruppe der „Californian Psychedelic Rockers“ (Doom Charts). Die beiden Studioalben von The Third Mind - „The Third Mind" (2020) und „The Third Mind 2" (2023) - wurden von dem GRAMMY-prämierten Gitarristen Dave Alvin und dem erfahrenen Alternative-Music-Bassisten Victor Krummenacher (Camper Van Beethoven, Monks of Doom, Eyelids) ins Leben gerufen und beinhalten den Gitarristen David Immerglück (Counting Crows, Monks of Doom, Camper Van Beethoven), Schlagzeuger Michael Jerome (Richard Thompson, Better Than Ezra, John Cale) und Sängerin Jesse Sykes von ihrer von der Kritik gefeierten Gruppe Jesse Sykes and The Sweeter Hereafter. Bei den psychedelischen Live-Improvisationen von Third Mind wird der Gastgitarrist Mark Karan (Bob Weir's Ratdog, Phil Lesh, Delaney Bramlett) für Immerglück einspringen.

Im Herbst 2022 lebte Phil Cook allein in einem kleinen Haus am Rande von Feld und Wald in North Carolinas Piedmont. Die meiste Zeit seines Leben lang lebte er in der Nähe der Herzen der Städte, die er sein Zuhause nannte, in der Nähe des ächzenden Verkehrs und des Trubels in den Coffee Shops. Diese Nähe Nähe trug dazu bei, dass der gesellige Cook ein produktiver Mitarbeiter wurde, als Mitbegründer von Megafaun bis zur Zusammenarbeit mit The Blind Boys of Alabama, Bon Iver, Hiss Golden Messenger und unzähligen anderen.

Aber Cooks nächster war ein Wanderweg, und so ging er hin und lauschte, hingerissen erst von der Stille und dann von den vielen Vögeln. Er begann, sein Fensterbrett jede Nacht einen Spalt offen zu lassen, damit der Chor der Vögel im Morgengrauen ihn begrüßte. Cook begann, diese verworrenen Vogelstimmen aufzunehmen, und er schloss sich ihnen an. Wenn die Sonne schließlich hoch stand, hörte Cook sich die Aufnahmen des Tages an und improvisierte in Echtzeit auf dem Instrument, das seine erste und unerschütterlichste Liebe seines musikalischen Lebens geblieben ist: das Klavier.

Als Cook diese Hütte nach einem Jahr verließ, zog er in ein eigenes Haus in Durham, mit viel Platz für seine beiden Jungs zum Spielen und für etwas, das er noch nie besessen hatte: ein richtiges Klavier. In den nächsten Monaten verbrachte Cook unzählige Stunden damit, an diesen Stücken zu feilen. Während des Unterrichts beim großen Südstaaten-Gospelpianisten Chuckey Robinson hatte dieser Cook aufgefordert, weniger Noten zu halten und seine Melodien nicht mehr durch die Verwendung der Pedale des Instruments als Krücken zu benutzen. Seine Musik hatte plötzlich mehr Klarheit, und die Klänge und Gefühle, die sie transportierten, hatten mehr Raum zum Funktionieren. Cook grub sich in die Gefahr und Freude, in die Idee, dass wir unsere Körper zu Knoten verdrehen um zu verstehen, was das Beste für unsere Herzen ist.

Im April 2024 kehrte Cook in das Chippewa Valley in Wisconsin zurück, wo er aufgewachsen war. Sein lebenslanger Freund und Bandkollege, Justin Vernon, hatte gerade die Renovierung von April Base abgeschlossen, dem Studio, in dem Cook in den letzten 15 Jahren an mehr als einem Dutzend Platten gearbeitet hat. Cook bat Vernon, Appalachia Borealis so einfach wie möglich zu produzieren, nur zuzuhören und in zwei ausgedehnten Nachmittagssitzungen Feedback zu geben, um die richtigen Takes auszuwählen, die, die das Herz erfasst haben. Natürlich wurde das Ganze komplizierter, als sie anfingen in dem Prozess zu experimentierten. Vernon fügte die Vogelstimmen zu Cooks Kopfhörern hinzu oder entfernte sie, um zu sehen, wie sie sich auf sein Spiel auswirkten. Oder sie leiteten seine Noten durch eine massive Hallkammer und Cook reagierte darauf mit hauchzarten Improvisationen.

Appalachia Borealis ist eine zutiefst ergreifende und persönliche Sammlung von 11 Klavier Meditationen, die die emotionale Bandbreite einer vollen und offenen Existenz abbilden. Inspiriert von diesen Improvisationen auf der Fensterbank, spiegelt es nicht nur die Aufruhr und die Traurigkeit einer schwierigen Zeit für Cook, sondern auch die Hoffnung, das Licht und die Freude, nach der anderen Seite zu schauen. Manchmal kann man noch die Vögel hören, deren Melodie und Zeit so viele dieser Lieder inspiriert haben. Selbst wenn sie nicht in Hörweite sind, bleibt ihre Essenz bestehen.

Marty Stuart Unveils Surf Guitar-Inspired Album “Space Junk”

Marty Stuart and His Fabulous Superlatives have been experimenting with differing soundscapes over the last few records, exploring the sometimes psychedelic Cosmic Cowboy sounds inspired by The Byrds and other Country Rock bands of that late ’60s, early ’70s era. This time around they offer a take on ’60’s instrumental surf and Ennio Morricone Western soundtrack inspired sounds. The result is often breathtaking to behold.

The first thing you notice with this vinyl-only Record Store Day release is the very striking cover art. It’s a painting from the famous Herb Alpert; yes that Herb Alpert, the jazz musician trumpeter known for his work with the Tijuana Brass, and a guy who’s performed on many soundtracks over the decades of his highly successful career. The artwork arrests your attention, much like the instrumental compositions contained within this exquisite two-record set of originals from Marty, “Cousin” Kenny Vaughan, “Handsome” Harry Stinson, and Chris Scruggs.

Longtime fans of Marty Stuart’s live shows are used to hearing a few rousing surf-inspired instrumentals in the middle of his sets, so perhaps this album shouldn’t come as a total surprise.

The surf music genre started in the late ’50s when a handsome, charismatic surfer in Long Beach California named Richard Monsour developed a striking instrumental guitar sound and technique that he hoped could convey the sound of waves in the ocean and the feeling when one is riding in them on a surfboard. He took a Fender Stratocaster and proceeded to blow up every amplifier he could get, playing it at high volume and creating an absolute sensation in youth culture everywhere.

Monsour, who’s stage name was Dick Dale, had created a monster culture almost single-handedly, and a large number of surf bands popped up almost everywhere, cashing in on the sound. The Ventures among others took the sound all over the world and kids everywhere became guitar players, inspired by those magical sounds. Artists like Duane Eddy also made instrumental music popular as well.

Italian composer Ennio Morricone who scored soundtracks to the so-called spaghetti western movies of Clint Eastwood like Hang Em High, The Good, The Bad and The Ugly, and A Fistful of Dollars, utilized a sound featuring Fender electric guitars, catchy melodies, and an orchestra to achieve a gritty sound designed to match the rugged western landscapes they were portraying in the movies.

Then there was the John Barry-scored James Bond theme, which around the same time was creating a sensation. All of these sounds figure in to this album in one way or another. Marty Stuart and The Fabulous Superlatives never do anything halfway. The album is a labor of love and a major commitment of time, energy and passion. And it shows.

So much attention has been given to detail on this record, from the collection of vintage instruments the band chose to record with, to the way the drums and amplifiers are mic’d. Longtime collaborator Mick Conley is once again heavily involved in the recording and engineering process, and sonically the album sounds terrific. Marty, Kenny and Chris have brought out the tools that guitar players doing vintage music absolutely relish, including use of tremelo, reverb, echo, baritone guitars, tremolo bars, and tube amplifiers.

You can almost feel the reverberating tones coming off of Clarence, Marty Stuart’s Holy Grail 1954 Telecaster guitar, once owned by Byrds alumni and Kentucky Colonels founder Clarence White. The guitar, so prized among musicians as it featured the very first ever B-bender device installed, allows notes to be bent via a hidden mechanical device nestled into the body of the guitar and activated by a strap button which Marty controls. The resulting pedal steel style bends are startlingly effective, and this record showcases Marty Stuarts enviable lead guitar playing.

Yet Space Junk also features songs written by all the band members, and they individually and collectively get a chance to shine. The album was recorded at multiple locations, including a couple studios around Nashville and the notable Capitol Studios in Hollywood.

With Space Junk, Marty Stuart and The Fabulous Superlatives have successfully created an enviable collection of music that will feel right at home with surf fans, guitar enthusiasts, soundtrack junkies, Morricone devotees, western movie fans, musicians and music fanatics in general. It’s a bold, heady take on some vital but often overlooked genres in American music, and the end result is a wonderfully and perfectly-crafted album that years from now will still sound exciting.

Marty Stuart is not ready to lie down and quit. He’s ever challenging himself, and in the process proving he has a lot left to offer.

(Kevin Smith, SavingCountryMusic.com)

Emotional und abwechslungsreich

Auch auf ihrem neuen Album »Double Infinity« spielen Big Thief zauberhaften Indie-Folk-Rock.

Den Ausstieg ihres Bassisten gleicht das Trio mit einer Vielzahl an Studiomusikern und Gästen aus. Dadurch klingt die sechste Platte der New Yorker noch abwechslungsreicher und offener als ihre Vorgänger. Der perfekte Sound für die einmal mehr grandios-emotionalen Songs, die von Adrianne Lenkers einzigartigem Gesang getragen werden.

»Double Infinity« folgt auf das Grammy-nominierte Album »Dragon New Warm Mountain I Believe In You« und wurde im letzten Winter in der New Yorker Power Station aufgenommen. Drei Wochen lang pendelte die Band mit ihren Rädern auf vereisten Wegen zwischen Brooklyn und dem Studio in Manhattan hin und her, um dort Tag für Tag zusammen zu spielen, zu improvisieren und zu arrangieren. Daran war neben der Kernbesetzung Adrianne Lenker, Buck Meek und James Krivchenia eine Community von zehn Musikerinnen und Musikern beteiligt.

»Double Infinity« wurde so live mit minimalen Overdubs vom langjährigen Band-Partner Dom Monks aufgenommen, der auch Engineering und Mix übernahm.

»Wir Waren Schon Immer Da«, behaupten Kevin Hamann, Oliver Stangl und Sebastian Cleemann - das sechste Studioalbum von ClickClickDecker erscheint zum Herbst 2025 über Audiolith.

Nicht alles, was zurückkommt, ist ein Comeback. Aber ClickClickDecker waren fort - und jetzt sind sie wieder da. Nach insgesamt 20 Jahren und einer vorläufigen Abschiedstour 2023 erscheinen jetzt doch zehn brandneue Songs - über verschiedene Orte und Zeiträume hinweg aufgenommen, ist es vielleicht das kompakteste Album bisher geworden, voller Reflektionen und Fragen, Hinweise und Versprechen.

Die Band schüttelt sich aus dem Staub der Zeit und spielt Musik, in Ton und Sprache unverkennbar, voller schöner Widersprüche und rasanter Kurven, mit Mitsingchören, die Kapitulation bejubeln oder die alles umwerfende Liebe in ein leises Versprechen kleiden. Mit neuer Klarheit, die nicht versöhnlicher ist, aber einen sanften Gleichmut kennt. Parabeln über den Abrieb des Lebens ab Vierzig, distanziert oder detailliert. Mit genauso viel Platz fürs Nichteinverstanden- wie Füreinander-da-sein. Musik, die sich in jedem Ton, jedem Bild, jeder Geste gegen ein Produkt- oder Projektversprechen wehrt. Diese Band mit ihrem wunderbar entwaffnenden Indie / Singer-Songwriter-Pop hat gefehlt - und ist 2025 endlich zurück.

Die Folk-Legende Michael Hurley ist am 1. April 2025 verstorben. Sein letztes Studioalbum »Broken Homes And Gardens« war erst zwei Wochen zuvor fertiggestellt worden und soll nun veröffentlicht werden. Heute präsentieren wir euch den Track »Fava«.

»Fava« ist einer der neuen Songs auf dem 11 Titel umfassenden Album, das – wie bei Hurley üblich – auch einige neue Aufnahmen älterer/überarbeiteter Songs wie »Indian Chiefs & Hula Girls« (erstmals erschienen auf »Watertower«, 1987) und »The Abominable Snowman« (erstmals erschienen auf »Parsnip Snips«, 1995) enthält.

Die Arbeit an »Broken Homes And Gardens« begann kurz nach der Veröffentlichung von »The Time Of The Foxgloves« (2021), als Hurley ein weiteres Album im The Rope Room Studio in Astoria, Oregon, aufnehmen wollte. Er holte die Foxgloves-Crew mit Brian Bovenizer (Toningenieur), Kati Claborn (Gesang/Toningenieurin) und Luke Ydstie (Bass/Toningenieur) wieder zurück. Das Trio arbeitete in den folgenden drei Jahren in mehreren Sessions mit Hurley zusammen, wobei Hurley die Grundstruktur vieler Tracks (Gitarre und Gesang) in seinem Haus (Bellemeade Phonics) aufnahm und die Tracks dann im The Rope Room ausarbeitete. Weitere Mitwirkende sind unter anderem Rachel Blumberg (Schlagzeug), Kassi Valazza (Gesang) und Lewi Longmire (Gitarre).

Michael Hurley veröffentlichte 1964 sein erstes Album bei Folkways Music und brachte im Laufe seiner unkonventionellen und äußerst einflussreichen 50-jährigen Karriere Dutzende von Aufnahmen heraus. Nach seinem Tod würdigten ihn Musiker aller Altersgruppen, u.a. Colin Meloy, Ben Gibbard und Chan Marshall. Big Thief schrieben auf ihrem Instagram-Account: »Es ist unmöglich zu beschreiben, wie viel uns deine Musik bedeutet ... Danke, dass du uns all diese Musik hinterlassen hast, die unsere Leben bereichert und unsere Herzen weicher macht.«

Stefanie Schrank ist bildende Künstlerin und Mitglied der Kölner Indierock-Band Locas In Love. Mit ihrem ersten Soloalbum »Unter der Haut eine überhitzte Fabrik« begann sie 2019 aus analogen Synthesizern und eckig-eleganten Grooves ihren ganz eigenen Pop zusammenzusetzen. Ihr vielbeachtetes Debüt wurde in der Presse gefeiert, nicht zuletzt von Jens Balzer in der ZEIT, der es als »das Pop-Debüt des Jahres, ... reich und groß und von unruhiger Erhabenheit« bezeichnete.

2024, eine Pandemie später, folgte das Mini-Album »Schlachtrufe BRD«, auf dem »Schrank diesen in den Neunzigerjahren aufgesaugten Geist des Widerständigen in ihren eigenen Klangkosmos channelt(e)«, wie wiederum Andreas Borcholte auf spiegel.de schrieb und von: »eine(m) von Krautrock und Kraftwerk beeinflusstem Elektronikpop ….Radikaler geht es kaum« sprach. Nun endlich, auf den Tag genau sechs Jahre nach ihrem Debütalbum erscheint ihr zweiter Longplayer »Forma«.

»Oscillations, oscillations, electronic evocations of sound's reality. Spinning, magnetic fluctuations, waves of wave configurations that dance between the poles of sound«, sangen die Silver Apples bereits 1968 in ihrem zukunftsweisenden Track »Oscillations«. Man könnte sagen, dass Stefanie Schranks Album ganz im Zeichen des Credos dieser Zeilen steht: Auf »Forma« wird oszilliert, ge-shapeshifted, ge-crossfaded und zwischen den Polen getanzt, dass es nur so eine Art hat! Stefanie Schrank hat in ihrem Studio Musik produziert, die Zeugnis eines ewigen Werdens, Wandels und Weiters ist. Jeder Sound ist eine Momentaufnahme aus endlosen Modulations-Prozessen. Aber sie hat am Ende zu – und zu unserem Glück – wundervolle Popsongs aus diesen Klängen herauskomponiert.

Somit sind alle Stücke auch eine Erzählung von den Herausforderungen menschlicher Manifestationen: Von den Zwängen der Produktwerdung. Vom künstlerischen Druck und Drang, aus einem ephemeren Ereignis ein verwertbares Ergebnis abzuleiten. Die Dinge im wahrsten Sinne in Forma zu bringen. Dabei ist so ein Kunstwerk ja strenggenommen nie wirklich fertig. Noch während Frau die neuste Song-Version speichert, bewegt sich drinnen und draußen alles weiter.

Es sind acht Jahre vergangen, seit Montreals The Barr Brothers ein Album veröffentlicht haben. In dieser Zeit hat das Leben sie - persönlich wie beruflich - in neue Richtungen geführt und ihre Art, gemeinsam Musik zu machen, verändert.

Ihr viertes Studioalbum »Let it Hiss« ist nicht einfach nur eine neue Sammlung von Songs. Es ist ein Dokument der Transformation. Die Entstehung dieses Albums markierte einen Wendepunkt: eine Phase der Reflexion, eine Auseinandersetzung mit Verletzlichkeit und eine Wiederverbindung zwischen den beiden Brüdern, die seit über drei Jahrzehnten Seite an Seite Musik machen. »Im Jahr 2022 standen wir an einem Wendepunkt«, sagt Brad Barr, Gitarrist, Sänger und Haupt-Songwriter der Band. »Es war klar, dass sich etwas ändern musste. Die wahre Geschichte dieses Albums ist die Geschichte dieser Veränderung - und von allem, was danach kam.« »›Let it Hiss‹ ist das, was passiert, wenn man aufhört, so zu tun, als wäre alles in Ordnung - und endlich wirklich hinhört«, sagt Andrew.

Das Album beginnt im Kleinen: eine winzige mexikanische Gitarre, der sanfte Puls eines Klaviers, ein minimalistischer Rhythmus - und eine Stimme, die sowohl Hingabe als auch Stärke vermittelt. »Take it from me«, singt Brad - nicht als Befehl, sondern als Geständnis. Schon ab diesem ersten Moment lädt das Album in einen Raum ein, in dem Makel nicht herausgeschnitten, sondern verstärkt und gefeiert werden. Es ist ein kraftvoller Einstieg in ein Album, das auf Ehrlichkeit, Wiederentdeckung und Vertrauen beruht.

Für die Brüder wurde das Aufnehmen zu einem Spiegel. Der Prozess begann nicht mit Klang - er begann mit Wahrheit. Sie setzten sich nicht nur mit kreativen Blockaden auseinander, sondern auch mit persönlichen: alten Mustern, unausgesprochenen Spannungen, Trauer, Wachstum. Durch all das fanden sie wieder zu einem Rhythmus - nicht durch Perfektion, sondern durch Erlaubnis. Brad und Andrew machen schon Musik zusammen, seit sie Kinder sind - zuerst in der sich ständig wandelnden Rockband The Slip, später als The Barr Brothers, wo sie amerikanische Roots-Musik mit experimentellen Klangtexturen zu etwas ganz Eigenem verbanden. Ihr Ruf für musikalische Raffinesse und emotionale Tiefe brachte ihnen weltweit Fans - und Anerkennung von musikalischen Größen.

Der Titel des Albums ist zugleich ein Leitbild. »Es fühlte sich einfach richtig an«, sagt Andrew. »Das Rauschen drin zu lassen. Das Unbehagen, die Unvollkommenheit, den Kampf. Wir haben aufgehört, alles sauber machen zu wollen. Und genau da fing die Musik wieder an zu atmen. Und Spaß zu machen.« Tatsächlich steht »Let it Hiss« stärker als frühere Alben der Barr Brothers für eine freudvolle Ungezwungenheit - hörbar etwa im Roadtrip-Hymnus »Run Right Into It« (mit Elizabeth Powell von Land of Talk) oder im verspielten Garagenband-Reggae von »She Doesn't Sleep With the Covers On«.

Doch das Album lässt die intime Erzählweise, die das Markenzeichen der Barr Brothers ist, keineswegs hinter sich: »English Harbour« ist eine wunderschöne Folk-Hymne, bereichert durch die Harmonien von Jim James (My Morning Jacket), während »Moonbeam« eine opulente Soul-Serenade mit Streichern ist - veredelt durch den frankophonen Gastgesang der quebecischen Artpop-Künstlerin Klô Pelgag.

Die Songs auf »Let it Hiss« besitzen eine zeitlose Qualität - besonders spürbar in Stücken wie »Naturally«, das leise an die Ära klassischer Songschreiber erinnert, in der Melodie und Botschaft untrennbar miteinander verbunden waren. Es ist Musik, die dem Hörer vertraut und sich nach und nach entfaltet - mit Arrangements, die Zurückhaltung und Ambition in Einklang bringen. Im Zentrum steht vielleicht der Song »Owning Up to Everyone«, der den Geist des Albums im Kleinen einfängt. »Dieser Song hat etwas in uns aufgebrochen«, sagt Andrew. »Er fühlte sich wie ein Durchbruch an.«

Doch all die musikalische Freiheit und emotionale Aufwühlung, die sich durch »Let it Hiss« zieht, bereitet nicht auf den letzten Song vor: »Upsetter«, ein schweißgetränkter, punkgetriebener Rock'n'Soul-Explosion, gekrönt von einem absolut wahnsinnigen Gitarrensolo. Es ist schlicht der wildeste Song, den die Barrs je aufgenommen haben - ein Song, der die Let it Hiss-Philosophie so weit ins Rote treibt, dass er den VU-Meter fast sprengt. »Ich dachte mir: ,Na ja, der wird es eh nicht aufs Album schaffen', weil er vielleicht für viele unserer Hörer unerwartet kommt«, gibt Brad zu. »Aber ich glaube, unsere Hörer schätzen es, wenn wir einfach wir selbst sind - und dazu gehört eben auch sowas.«

Brad und Andrew produzierten Let it Hiss selbst, hauptsächlich zu zweit in ihrem Studio in Montreal. Um die rohe Direktheit und Komplexität des Albums einzufangen, arbeiteten sie mit Mix-Ingenieur Jon Low (The National, Taylor Swift, Bon Iver). Sie luden enge Freunde aus ihrer musikalischen Community ein, ihre Stimmen, Instrumente und Texturen beizusteuern, wenn es die Songs verlangten - Kollaborationen, die sich weniger wie Features, sondern mehr wie natürliche Erweiterungen der Musik anfühlen. Viele dieser Beziehungen entstanden über Jahre gemeinsamer Bühnen, langer Nächte im Studio und einer gemeinsamen Hingabe an das Handwerk.

So ist »Let it Hiss« zugleich das persönlichste und das kollaborativste Album, das sie je gemacht haben. Let it Hiss will nichts auflösen - es will offenlegen. Es lädt die Hörer ein, genau hinzuhören - auf das Rauschen, das Gewicht, das Staunen. Während die Barr Brothers ihren Weg fortsetzen, ist eines klar: Sie haben einander wiedergefunden - und darüber auch ihre Musik. And the rest is hiss-tory.

Drei Teile eines Ganzen

Indie-Rock-Koryphäe Jeff Tweedy hat für seine Fans mit »Twilight Override« gleich drei neue Alben im Gepäck.

Die 30 Songs entstanden im Laufe der letzten Jahre zusammen mit Freunden und zwei von Tweedys Söhnen im eigenen Studio in Chicago. Dabei war es dem Wilco-Frontmann wichtig, dass jedes Album für sich genommen genossen werden kann. Gleichzeitig ergeben die drei Teile von »Twilight Override« ein musikalisches Triptychon, das eine gemeinsame Geschichte erzählt.

Tweedys fünftes Solowerk enthält eine umfangreiche Tracklist mit 30 neuen Songs, darunter die frühen Fan-Favoriten und Konzerthighlights »Feel Free«, »Enough« und »Lou Reed Was My Babysitter«.

Mit »Twilight Override« präsentiert Tweedy drei Alben, die für sich allein stehen, aber gemeinsam eine Geschichte aus Vergangenheit, Gegenwart und Zukunft erzählen. Das Album enthält Auftritte von Chicagoer Musikerkollegen und häufigen Kollaborateuren: Spencer Tweedy, Sammy Tweedy, James Elkington, Sima Cunningham, Macie Stewart und Liam Kazar. Chorgesang ist im gesamten Werk hervorgehoben und glänzt in Songs wie »One Tiny Flower«, »Cry Baby Cry« und »New Orleans«.

»Twilight Override« wurde in den letzten zwei Jahren aufgenommen und von Tweedy selbst in seinem Chicagoer Studio »The Loft« produziert. Tontechnik und Mixing übernahm Tom Schick. Mastering übernahm Stephen Marsh. Design von Lawrence Azerrad. Fotos von Shervin Lainez.

The troubling state of American life since the rise of the alt-right and Donald Trump's transformation into a polarizing political figure has become Jeff Tweedy's dominant theme since the mid-2010s, coloring his work from 2018's Warm onward. A cheery outlook has never been Tweedy's stock-in-trade, but the undertow of his writing has been a troubled response to a world going mad, and in the essay that accompanies his 2025 album, Twilight Override, he sums up the tenor of American life as "a bottomless basket of rock bottoms." So what to do? In Tweedy's case, the answer is to make music, lots of it, and Twilight Override is an epic-scale response to prevailing malaise. Twilight Override contains 30 songs spread over three vinyl LPs, and was recorded with a cast of players who've been part of his solo road band for a while: Sima Cunningham and Macie Stewart from the band Finom, Liam Kazar of Kids These Days, James Elkington of Brokeback and Eleventh Dream Day, and his sons Spencer Tweedy and Sammy Tweedy. While occasional bursts of electric skronk and languid electric jangle punctuate some of the songs, for the most part this music is dominated by acoustic instruments, and it's not just his biggest solo effort to date, it's the most fully formed. Compared to his previous solo releases, Twilight Override suggests Wilco's 1996 breakthrough effort Being There, where he consciously tore down the sonic frameworks he'd worked with since co-founding Uncle Tupelo. Twilight Override is not an exercise in musical reinvention like Being There, but it finds Tweedy and his collaborators embracing a fresh willingness to throw different ideas at the wall -- the duel between acoustic and distorted electric guitars in "New Orleans," the spiky report of "Lou Reed Was My Babysitter," and the washes of atonality in "Wedding Cake" as examples. As for the lyrics, Tweedy doesn't contribute any direct commentary on the events of American Life in 2025, opting instead to offer thoughtful introspection on his own philosophies, observations on his past and present, musings about the simple mysteries of living, and friendly advice -- seven whole minutes of the latter in "Feel Free," and when he suggests "Make a record with your friends," it's nice to know he practices what he preaches. Though Twilight Override covers a lot of ground in terms of both ideas and sheer bulk, it never sounds forced or as if Tweedy and his musicians are straining for effect. This music sounds natural and spontaneous, and even when the tracks are clearly layered with various elements, the feel is organic and meshes beautifully with the melodies. Twilight Override was created out of Tweedy's belief that "Creativity eats darkness," and while these songs rarely sound like they're brimming with joy, they act as an affirmation of life and hope even as they acknowledge the shadows, and it's his best and most rewarding solo album to date.

(by Mark Deming, All Music Guide)

Hochklassiger Prog-Rock

Als Pavlov's Dog im vergangenen Jahr die Veröffentlichung des karriereübergreifenden Boxsets Essential Recordings 1974 - 2018 feierten, arbeitete die Band bereits hart an einem neuen Album mit Originalmaterial. Dieses Album, genannt Wonderlust, ist 2025 erschienen. Und das ein halbes Jahrhundert, nachdem ihre Debüt-LP Pampered Menial und der darauf enthaltene Hit „Julia“ Pavlov's Dog kurzzeitig zu den Lieblingen der Progressive-Rock-Szene der 1970er Jahre machte. Das neue Album ist ein äußerst kreatives Werk mit Songs, die auf intelligentem Songwriting, erstklassiger Musikalität und einem untrüglichen Gespür für das Dramatische aufbauen, das den Sound der Band über all die Jahre geprägt hat.
Pavlov‘s Dog wurde Anfang der 1970er Jahre in St. Louis, Missouri, gegründet und erlangte mit seiner einzigartigen Mischung aus Rock, Klassik und Folk Kultstatus. Ihr damaliger Erfolg war jedoch nur von kurzer Dauer: Bereits 1977 löste sich die Originalbesetzung auf. Leadsänger, Gitarrist und Hauptkomponist David Surkamp machte weiter und schloss sich 1990 mit seinem Gründungsmitglied Doug Rayburn zusammen, um das Album Lost in America aufzunehmen. Doch das zweite Kapitel in der Karriere von Pavlov Dog kam erst nach der Jahrtausendwende so richtig in Schwung, als eine talentierte Gruppe von Musikern der nächsten Generation das Erbe weiterführte. Unter der Leitung von Surkamp hat sich die Band in den letzten Jahren weiterentwickelt. Eine neue Welle des Interesses an Prog-Rock ermöglicht es ihr, regelmäßig zu touren. Die aktuelle Besetzung hat die ursprüngliche Version von Pavlov's Dog in puncto Langlebigkeit inzwischen weit übertroffen: Sängerin Sara Surkamp, Geigerin Abbie Steiling, Bassist Rick Steiling und Keyboarder Mark Maher bilden zusammen mit dem Gründer David Surkamp seit sieben Jahren den Kern der Band.
Bereits auf dem gefeierten Album Prodigal Dreamer aus dem Jahr 2018 vertreten, beweist dieses erfahrene Team von Musikern – mit Unterstützung von u.a. Schlagzeuger Steve Bunck und Gitarristen Phil Ring – nun auf Wonderlust einmal mehr sein Können. Schon beim ersten Hören sind die große Tiefe, Reife und Vision der elf Tracks spürbar. Einige Songs, wie der Opener „Anyway There's Snow“, bei dem Abbie Steilings wunderschöne Geige im Vordergrund steht, glänzen durch große Dramatik. Das von Streichern durchtränkte „Another Blood Moon“ ist ein weiteres Beispiel der für Pavlov’s Dog typischen, musikalischen Melancholie. Auf einem Album voller eindringlicher Gesangsperformances erreicht Surkamp hier wohl seinen Höhepunkt.
Dennoch sollte man nicht vergessen, dass Pavlov's Dog in erster Linie eine Rockband ist. Stücke wie das treibende „Mona“ und das knallharte „Collingwood Hotel“ treffen ins Schwarze. „Jet Black Cadillac“ klingt wie der Titel einer klassischen Rock'n'Roll-Nummer, doch der Song beginnt wehmütig. (Seien wir ehrlich: Pavlov's Dog klingt fast immer zumindest ein bisschen wehmütig.) Doch sobald der titelgebende Cadillac im Refrain auftaucht, erhebt sich der Song und das Traumauto fungiert als Mittel zur Flucht vor dem Blues. Hinzu kommen der freche Charme von „Solid Water, Liquid Sky“ und die Hardrock-Anleihen von „Can't Stop The Hurt“.
Besonders langjährige Fans, die mehr von dem wollen, was typischerweise „Prog“ ausmacht, können sich über die zweite Hälfte des Albums freuen. Auf dem von Abbie Steiling geschriebenen, instrumentalen Prunkstück „Calling Sigfried“ entfesselt die Band kurzerhand ihre gesamte musikalische Brillanz. Das Album schließt mit einem Trio von Songs, die Surkamp gemeinsam mit seinem früheren Songwriting-Partner, dem inzwischen verstorbenen Doug Rayburn, geschrieben hat. Von diesen verströmt vor allem „Canadian Rain” die abenteuerlichen Vibes des Progressive Rock der 1970er-Jahre mit zahlreichen Tempowechseln und einem elektrischen Slap-Bass-Solo wie aus heiterem Himmel.
Auf Wonderlust klingen Pavlov's Dog wie die Veteranen, die sie sind; diese Musiker sind schon lange genug dabei, um zu wissen, was sie tun. Doch gleichzeitig beweisen sie, dass ihre kreative Quelle immer noch sprudelt. Das langersehnte Wonderlust ist ein Album voller geschickt eingespielter, vollständig realisierter Rockmusik, bei dem Surkamp zeigt, dass er stimmlich keineswegs nachgelassen hat und, dass ein alter Hund doch ein paar neue Tricks lernen kann.
Gute Musik wie diese wird nie aus der Mode kommen.

.​.​.​die Stücke [.​.​.​] schwanken zwischen schwermütigen Balladen und recht harten Rockern [.​.​.​] Guter Melodic Rock in alter Tradition.​ Schön, dass sie wieder da sind.​

(GoodTimes, Oktober/November 2025)

Der Gitarrist John Scofield und der Bassist Dave Holland, zwei der zeitgenössischen Meister des Jazz, haben im Laufe der Jahre in verschiedenen Zusammenhängen zusammengespielt - darunter Projekte mit Herbie Hancock und Joe Henderson sowie eine energiegeladene Gruppe mit Joe Lovano und Al Foster.

»Memories of Home« ist nun ihr erstes Duo-Album, letztes Jahr nach ausgiebigen Tourneen in den NRS Studios in Catskill, New York, aufgenommen. John Scofield: »Die Platte enthält, genau wie unsere Live-Shows, Stücke, die jeder von uns komponiert hat, einige neu, einige alt. Wir teilen jahrzehntelange gemeinsame musikalische Bezugspunkte. Die Gemeinsamkeiten und Unterschiede in unseren Herangehensweisen machen die Zusammenarbeit, wie ich finde, umso spannender.«

Das Album enthält Scofields Songs »Icons at the Fair«, »Meant to Be«, »Mine Are Blues«, »Memorette« und »Easy for You« sowie Hollands »Mr. B«, »Not for Nothin'«, »You I Love« und »Memories of Home«.